Karen Grol: Himmel auf Zeit Ebersbach & Simon / Anita Rée – Retrospektive Prestel Verlag

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Leider habe ich es 2018 nicht geschafft nach Hamburg zu fahren und mir die Retrospektive der wunderbaren Künstlerin Anita Rée (1885-1933) anzusehen. Ein kleiner Trost ist der Ausstellungskatalog und auch die informative Seite der Hamburger Kunsthalle. Außerdem erschien nun in diesem Jahr ein Roman über das Leben der Künstlerin. Karen Grol ist mit „Himmel auf Zeit“ ein schönes Porträt von Anita Rée gelungen, das mich auch sprachlich überzeugt hat.

Anita Rée wurde 1885 in Hamburg in eine wohlhabende Kaufmannsfamilie hineingeboren. Die Vorfahren ihrer Mutter stammten aus Venezuela. Sie nahm als junge Frau Malunterricht bei dem impressionistischen Maler Franz Nölken (in den sie sich unerwidert verliebt) und reiste schließlich 1912 für einige Monate zur Ausbildung ins lang ersehnte Paris. Hier lernt sie all die bekannten Künstler dieser Zeit kennen, unabhängige Frauen, bewundert all die Kunstwerke, kommt aber selbst kaum zum Malen, so überwältigend sind die Eindrücke dieser im Aufbruch befindlichen Metropole der Kunst.

Ab 1922 hielt sie sich 3 Jahre in Süditalien auf, eine Zeit, die sie sehr prägte. In Positano lebte sie in einer bescheidenen Behausung, bestellte einen kleinen Garten. Sie porträtierte Mitbewohner des Ortes, beschäftigte sich mit Landschaften und Ortschaften, Licht und Farbe, keineswegs naturgetreu, eher eigen verfremdet. Zudem lernte sie auf Reisen neue Malkollegen kennen und ließ sich inspirieren. Von einem Malschüler, Christian Selle, erhält sie jeden Sommer längeren Besuch. Die beiden erkundeten gemeinsam Italien. Eine inspirierende Liebesgeschichte mit dem jungen Mann beginnt, die allerdings nach ihrer ungewollten Rückkehr wegen Familienangelegenheiten, nicht von Dauer ist.

Fremde Kulturen interessierten sie. Es entstanden Bilder mit Fabeltieren, märchenhaften und exotischen Motiven, mit denen sie nicht nur Leinwände, sondern beispielsweise auch Möbel gestaltete. Außerdem tauchen immer wieder auch christliche und biblische Motive auf, die auf Rees Verehrung der alten Meister hinweisen.

Anita Rée scheint eine sensible, melancholische Frau gewesen zu sein. Immer wieder hinterfragt sie ihre Rolle als Mensch, als Frau, als Künstlerin. Vieles davon zeigt sich in ihren Selbstporträts, die zunächst ihr bevorzugtes Thema waren. Die Innenschau, die Frage nach dem Sein, nach der Herkunft? Wer bin ich? Wo will ich sein?

Karen Grol erzählt auch von dem andauernden Gefühl der Einsamkeit, von dem hohen Anspruch an die eigene Malerei und von den Zukunftsängsten, die zunächst durch den ersten Weltkrieg, später durch Weltwirtschaftskrise und das Erstarken des Nationalsozialismus aufkamen. Ihre jüdische Herkunft und das exotische Aussehen verstärkten das Fremdheitsgefühl. Auch Halt und ausdauerndes Glück in Beziehungen hat sie nie gefunden.

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Zurück in Hamburg war sie durchaus bekannt, wurde Gründungsmitglied der Hamburger Sezession und der GEDOK und erhielt viele öffentliche Aufträge, wie etwa das Wandbild „Die klugen und die törichten Jungfrauen“ in einer Schule. Es folgten private Auftragsarbeiten und Porträts und Ausstellungsbeteiligungen bis nach Brüssel. Dennoch litt sie immer unter Geldmangel, um sich ein ordentliches Atelier leisten zu können. Ein Tryptichon als Altarbild in einer Hamburger Kirche wurde nie angebracht, weil man Rée inzwischen als Jüdin ausgrenzte. Als sie sich in Hamburg nicht mehr sicher fühlte, aufgrund äußerer aber auch persönlicher Geschehnisse, zog sie 1932 nach Sylt. Dort änderte sich Stil und auch Material. War vorher alles in Öl, beginnt sie hier mit der Aquarellmalerei. Weniger starker Farbausdruck, keine Porträts mehr, fast ausschließlich Landschaften. Die Bilder sind Ausdruck ihrer empfundenen Einsamkeit. 1933 nahm sich Anita Rée auf Sylt das Leben.

An ihre Schwester schrieb sie kurz vor ihrem Tod:

„Ich kann mich in so einer Welt nicht mehr zurechtfinden und habe keinen einzigen anderen Wunsch, als sie, auf die ich nicht mehr gehöre, zu verlassen. Welchen Sinn hat es – ohne Familie und ohne die einst geliebte Kunst und ohne irgendwelche Menschen – in so einer unbeschreiblichen, dem Wahnsinn verfallenen Welt weiter einsam zu vegetieren … „

Karin Grol bettet Anita Rées Leben in die jeweils aktuellen zeitgeschichtlichen Ereignisse. Zudem hat sie einen Blick für das Innenleben der immer am Rande des Existenzminimums lebenden Künstlerin. Sie greift dafür ausgewählte Begegnungen auf, die sie ausführlicher betrachtet, macht aber mitunter auch abrupte Übergänge zwischen den Ereignissen. Für mich ein ausgesprochen gelungenes Künstlerinnenporträt!

Die Bilder stammen aus dem Ausstellungskatalog „Anita Rée Retrospektive“ Prestel Verlag, 2017

Der Roman „Himmel auf Zeit“ erschien in der ebersbach & simon.

Emily Carr: Klee Wyck – Die, die lacht Verlag Das kulturelle Gedächtnis

Gastland der diesjährigen (Nicht-)Buchmesse ist Kanada. Diesmal habe ich es nicht geschafft einen kompletten Beitrag als Übersicht über die ins Deutsche übersetzte kanadische Literatur vorzubereiten. Ein Buch hatte ich aber schon im Frühjahr im Auge, schon wegen seiner schönen gestalterischen Aufmachung und es ist auch das einzige geblieben, das ich gelesen habe. Es ist ein Buch, das in Kanada in vielen Auflagen bis heute gut verkauft wird, ja, das sogar Schullektüre geworden ist. Emily Carr (1871-1945), eigentlich Malerin, hat das Buch erst spät in ihren 70ern geschrieben, als sie aus gesundheitlichen Gründen mit dem Malen aufhören musste. Sie nahm dazu ihre Notizbücher, die sie seit jeher führte und formte daraus und aus ihren Erinnerungen autobiografische Erzählungen, so wie wir sie nun im Band Klee Wyck lesen können. Die erste Ausgabe erschien 1940.

In der ersten Geschichte erfahren wir, dass die 15jährige Emily zeitweise bei christlichen Missionarinnen in einem Indianerdorf lebt, um sich mit der Lebensart der Indigenen, der First Nations auseinanderzusetzen. Bereits hier hat sie den Zeichenblock dabei und einen genauen Blick. Ihren indianischen Namen Klee Wyk erhält sie gleich eingangs vom Stammeshäuptling. Sie ist Die, die lacht.

In den drei folgenden Geschichten erfahren wir von Emilys Vorhaben, die Totempfähle der Grabstätten verschiedener indianischer Dörfer zu zeichnen. Mit einem befreundeten Paar reist sie mit dem Boot von Insel zu Insel. Haiida Gwaii heißen die vor der Westküste British Kolumbiens gelegenen Inseln. Hier erzählt Emily von der einfachen naturzugewandten im Jetzt verankerten Lebensweise der Bevölkerung. Spannend zu erfahren, dass es in deren Sprache keine Schimpfwörter gibt.

„Ich setzte mich neben den sägenden Indianer und wir unterhielten uns ohne  Worte, zeigten auf die Sonne und aufs Meer, die Adler in der Luft und die Krähen am Strand. Wir nickten und lachten zusammen, ich saß da und er sägte. Der alte Mann sägte als lägen Äonen von Zeit vor ihm, und als wären all die Jahre, die bereits hinter ihm lagen, geruhsam gewesen, und alle kommenden Jahre wären es ebenso.“

Wir hören von Sophie, die Körbe flechtet und in Vancouver verkauft und die Emilys Freundin wird. Sophie, die einundzwanzig Babys bekommt, von denen nur wenige überleben. Sophie lebt im Reservat. Viele der Kinder werden in Internate gebracht, die von christlichen Institutionen geleitet werden. Dort versucht man sie zu „kultivieren“, doch werden sie ihrer Herkunft und ihrer Tradition komplett beraubt. Wir lesen von Louisa und deren Mutter, der Louisa unbedingt das traditionelle „indianische“ Pfeiferauchen abgewöhnen möchte, weil die Missionare das für Frauen unschicklich finden.

Emily lässt sich immer wieder in teils nicht mehr bewohnte Indianerdörfer bringen, auf der Suche nach Motiven für ihre Bilder. Dort findet sie auch immer wieder die D`Sonoqua, eine heilige Frau, die sie auf imposant geschnitzten Totems findet und von der sie wie magisch berührt wird. Vorrangige Motive werden für sie immer die Totems bleiben, die in den alten Dörfern zurückbleiben, wenn die Familien durch Missionare gedrängt, in modernere Ortschaften mit Läden und Häusern statt Hütten ziehen.

„Selbst diese wenigen Worte waren eine Neuerung – nach dem Vorbild der Weißen. In früheren Zeiten hätten Totemzeichen erklärt, wer dort lag. Die indianische Sprache kannte keine Schriftform. Anstelle der Kreuze wären hier die Habseligkeiten des Verstorbenen aufgetürmt worden: all seine geliebten Schätze, Kleidung, Pfannen, Armbänder – damit jeder sehen konnte, was das Leben ihm an eigenen Dingen geschenkt hatte.“

Dabei gerät sie mitunter in Seenot, auf unheimliche Inseln mit wilden Hunden und in heftigste Moskitostürme. Sie und damit auch die Leser erfahren, dass das Zeitgefühl der indigenen Völker ein ganz anderes ist. In der letzten Geschichte „Kanu“ etwa, fragt sie am Strand eine indianische Familie, ob sie sie im Kanu mit zurück zur Küste nehmen könnten. Sie sagen zu, sie müsse sich aber beeilen, da sie in Kürze ablegen wollen. Tatsächlich aber wird erst noch gekocht, Beeren und Strandgut gesammelt, die Abfahrt erfolgt viele Stunden später …

Emily Carr erzählt ihre Geschichten teils sehr poetisch und bildhaft, aber auch sehr direkt. Sie scheut sich nicht, die Methoden der Missionare in Frage zu stellen. Was dazu führte, dass man ihr Buch zwar zur Schullektüre machte, dabei aber den kritischen Blick auf die christliche Mission heraus kürzte. Die vorliegende vollständige Ausgabe erschien 2003 erst in Kanada. Im Vorwort von Kathryn Bridge erfahren wir mehr dazu. In jeglicher Hinsicht war Emily Carr für ihre Zeit eine bemerkenswert emanzipierte Frau, war sie doch immer sehr selbstbewusst alleine unterwegs, oft nur in Begleitung ihrer Hunde. So trifft sie aber oft auch, wie etwa im Ort Kitwancool, auf ebenso starke weibliche Präsenz bei den Frauen der First Nations.

„Klee Wyck“ erschien im „Verlag Das kulturelle Gedächtnis“. Es ist besonders schön gestaltet, wie alle Bücher aus diesem besonderen Verlag. Übersetzt aus dem kanadischen Englisch hat es Marion Hertle. Ich danke dem Verlag für das Rezensionsexemplar.

Annie Ernaux: Der Platz Hörspiel Der Audio Verlag

Auf nur einer CD mit Laufzeit von 1 Stunde, 18 Minuten inszenierte Der Audio Verlag Annie Ernauxs Buch „Der Platz“.  Als Hörspiel ist es ausgeschrieben, bleibt aber glücklicherweise überwiegend in Nähe einer raffiniert eingesprochenen Lesung. Die Tonuntermalung empfand ich anfangs gewöhnungsbedürftig, doch dann konzentrierte ich mich ausschließlich auf die ausdrucksstarke warme Stimme der Schauspielerin Stephanie Eidt und freute mich über die gelungene Umsetzung des Textes.

„Wenn ich Proust oder Mauriac lese, kann ich nicht glauben, dass sie über die Zeit schreiben, als mein Vater Kind gewesen ist. Seine Welt ist das Mittelalter.“

Die französische Autorin Annie Ernaux erzählt in dem nur 100 Seiten zählenden, in Frankreich bereits 1983 erschienenen, „Der Platz“ über ihren Vater. Beginnend mit seinem Tod, assoziiert sie frei über sein Leben. Nach und nach erfahren wir, dass er bereits im Alter von 8 Jahren auf dem Bauernhof helfen musste, mit 12 von der Schule abging und dann auf dem Hof arbeitete, wo schon der Großvater Arbeit fand. Irgendwann schafft er den Wechsel zum Arbeiter. Inzwischen ist er mit Annies Mutter verheiratet. Eine Tochter wird geboren (die mit 7 Jahren an Diphterie starb). Es wird gespart, um ein Geschäft zu eröffnen. Im kleinen Ort Lillebonne führen die Eltern schließlich den Kramladen mit Bar im Arbeiterviertel. Doch der Laden wirft nicht genug ab. Der Vater muss zusätzlich arbeiten gehen. Die Mutter managt den Laden. Für die Verwandten gelten sie als reich.

Annie Ernaux erzählt gleichzeitig, wie sie versucht, dieses Buch über den Vater zu schreiben. Ihr wird klar, dass es keinen Roman geben wird. Es wird eine große Herausforderung. Sie bleibt nah am Geschehen, an den erinnerten Worten, nah am tatsächlichen Leben. Die Schwierigkeiten die mit dem Schreiben verbunden sind, das Schwanken zwischen persönlichem Empfinden und möglichen Anklagen, Scham oder gar Verrat.

Annie wird 1940 mitten im Krieg geboren. Der Vater bringt die Familie durch. Die Eltern kehren in den Heimatort Yvetot zurück. Nach dem Krieg übernehmen sie wieder einen Laden mit Kneipe. Wieder arbeitet der Vater zu, diesmal in einer Ölraffinerie, bald als Vorarbeiter.

„Wir hatten alles, was man braucht. Was bedeutete, dass wir uns satt aßen und dass es in der Küche und der Kneipe, den einzigen Räumen, in denen wir lebten, warm war. Zwei Garnituren Kleider, eine für unter der Woche, eine für sonntags.“

Der Vater kauft das Haus und das Grundstück. Soviel hatte keiner in der Familie erreicht. Und dennoch, der Neid, das Sparen, das Misstrauen, die Vergleiche, das Gefühl der Unterlegenheit, die Scham. Der andauernde Streit zwischen den Eltern ist immer präsent. Die Tonlage geprägt von gegenseitigen Vorwürfen.

„Ein andauernder bodenloser Mangel.“

Die Tochter Annie ist eine gute Schülerin, sie geht auf die höhere Schule, das Pensionat, dass die Mutter ausgesucht hat. Sie entfernt sich vom Dialekt des Elternhauses und entwickelt ein Bewusstsein für Sprache. Nach dem Abschluss beginnt sie auf Lehramt zu studieren. Sie reist ins Ausland und wechselt das Studium: Literaturwissenschaft. Dem Vater ist das alles fremd. Er begreift nicht die Lust der Tochter am Denken und Lernen. Aber er akzeptiert, denn so wird sie etwas Besseres, wird keinen Arbeiter heiraten müssen. Tatsächlich heiratet Annie einen Politikstudenten und zieht mit ihm weg. Sie arbeitet als Lehrerin. Ein Sohn wird geboren. Die Besuche bei den Eltern werden rar. Der Ehemann begleitet sie nie. Der Abstand, nicht nur der räumliche, ist zu groß geworden. Annie ist „aufgestiegen“ …

Ernaux beschließt ihren Text wiederum mit dem Blick auf den Tod des Vaters, der kurz vor seinem geplanten Ruhestand mit 68 eintritt. Sie konnte noch Abschied nehmen und beginnt mit dem Buch, dass sie erst Jahre später in der vorliegenden Form beendet.

Im Booklet findet sich Aufschlussreiches über die Autorin und die Entstehung des Hörspiels. Die Übersetzung stammt von Sonja Finck, das Buch erschien im Suhrkamp Verlag, wie alle Neuauflagen der autobiographischen Bände von Annie Ernaux. Hier auf dem Blog habe ich bereits „Die Jahre“ besprochen. Große Empfehlung!

 

Die dunkle Nacht der Seele – Psychische Erkrankungen in Roman und Lyrik

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Wenn ich so meine Besprechungen der letzten 5 Jahre überblicke, finde ich immer wieder das Thema Psyche: Depressionen/Psychische Erkrankungen/Psychiatrie. Mich interessieren diese Themen brennend. Vor allem dann, wenn es Autor*innen gelingt, aus oft autobiographischem Inhalt wirklich gute Literatur zu machen. Deshalb heute, nach „Kunst im Buch“, ein Beitrag über die Psyche. Sowohl in Prosa als auch in der Lyrik habe ich Hervorragendes gelesen. Durch Klick auf das jeweilige Foto gehts zur Besprechung.

Depression

Allen voran der große amerikanische Autor David Foster Wallace, der in seinem frühen Text über seine beginnenden Depressionen als „die üble Sache“ schreibt. David Vann, der in seinem neuesten Roman sehr anschaulich über die Depression seines Vaters schreibt. Connie Palmen, die aus der Sicht Ted Hughes auf Depression und Suizid Sylvia Plaths blickt. Die Sprachzauberin Merethe Lindstrøm, die über Depressionen in Familienkonstellationen schreibt und zuletzt gelesen und aktuell ganz neu: Benjamin Maacks sehr persönliches Buch über die eigenen Depressionen.

andere psychische Erkrankungen

Nancy Hünger schreibt sich mit ihren Gedichten ausdrucksstark in den Selbstverlust einer Frau ein. Die Amerikanerin Julia Cohen schreibt in poetischer Form außergewöhnlich über die eigene (oder die des lyrischen Ichs) Psychotherapie. Akwaeke Emezi erzählt den abgründigen Weg einer seit der Kindheit traumatisierten jungen Frau. Der Lyriker und Romanautor John Burnside schreibt umfassend über eine ganz und gar labile Persönlichkeit. Und der Finne Juha Hurme lässt sich mit seinem „ver-rückten“ Romanhelden durch die Abteilungen einer psychiatrischen Klinik treiben.

Psychiatrie und Psychoanalyse, wie sie einmal war und zum Glück nicht mehr ist

Hier begleiten wir die wohl erste investigative Journalistin der USA, Nelly Bly, die sich 1887 für ihre Recherche freiwillig für 10 Tage ins „Irrenhaus“ einweisen ließ. Die großartige Lyrikerin Christine Lavant lebte nach einem Suizidversuch für 6 Wochen in der „Landes-Irrenanstalt“ Klagenfurt und schrieb 1946, 11 Jahre später, über diese Zeit als 20-jährige. Auf der finnischen Schäreninsel Själö befand sich eine Nervenheilanstalt. Johanna Holmström erzählt aus dem Leben zweier Frauen, die dort 1891 und 1931 eingeliefert wurden. Katharina Adler schreibt in ihrem Roman über ihre Urgroßmutter, die auf der Couch Sigmund Freuds lag und unter dem Namen „Dora“ als Hysterie-Patientin bekannt wurde. Und die Norwegerin Amalie Skram erzählt von einer Malerin, die unter der Doppelbelastung Familie/Künstlerin einen Zusammenbruch erleidet und 1894 von ihrem Mann in die Psychiatrie eingeliefert wird.

Alle diese Bücher sind auch ohne den speziellen Fokus Psyche uneingeschränkt zu empfehlen. Über weitere Tipps zum Thema würde ich mich freuen.

 

 

Bücher gegen das Vergessen – Zum 75. Gedenktag der Befreiung von Auschwitz und zum Gedenktag an die Opfer des Nationalsozialismus

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„Sofern es überhaupt ein „Bewältigen“ der Vergangenheit gibt, besteht es in dem Nacherzählen dessen, was sich ereignet hat.“

Hannah Arendt

Viel habe ich gelesen darüber. Immer schon. Viel über Menschen, die der Tötungsmaschinerie der Nationalsozialisten zum Opfer fielen. Und jedes Mal diese Unfassbarkeit. Immer war es schwer und trotzdem wichtig, vor allem wichtig, diese Texte weiter zu reichen, davon zu erzählen, auf das sie präsent bleiben. Hier eine kleine Auswahl:

Sehr besonders empfand ich da zum Beispiel, wie Zoni Weisz über seine verfolgte Familie und sein Überleben und Weiterleben erzählt. Nicht nur Juden wurden verfolgt und ermordet, auch Sinti und Roma, sowie sogenanntes „unwertes“ Leben, Menschen mit Behinderungen und psychischen Krankheiten – ein Schicksal beschreibt Barbara Zoeke in „Die Stunde der Spezialisten“ – Künstler, wie Felix Nussbaum und seine Frau Felka Platek oder die junge Charlotte Salomon, Kunstschülerin, die aus Berlin flieht, und alle Menschen, die sich auflehnten und im Widerstand mitwirkten – Valentine Goby erzählt von einem solchen Schicksal im Frauenlager Ravensbrück – oder Hilfe bei der Flucht leisteten.

Einer der auch sprachlich beeindruckendsten Romane über einen Überlebenden eines Speziallagers in Auschwitz ist Kanada“ von Juan Gómez Bárcena. Und eine aktuelle Perspektive auf Auschwitz zeigt der israelische Autor Yishai Sarid in seinem Roman „Monster“, der von einem israelischen Touristen-Guide handelt, der für die Gedenkstätte Yad Vashem arbeitet.

Zu den Einzelbesprechungen der Bücher und Hörbücher kommt man durch Klick auf das jeweilige Foto oben.

 

Christiane Ritter: Eine Frau erlebt die Polarnacht Ullstein Verlag

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„Diese Landschaft hat nichts Irdisches mehr. Sie scheint in ihrer Entrücktheit ein in sich geschlossenes Leben zu führen. Sie ist wie der Traum einer Welt, der sichtbar wird, bevor er sich zur Wirklichkeit gestaltet.“

Es ist faszinierend: Christiane Ritter, geboren 1898 in Karlsbad, aus wohlhabender Familie, reist im Alter von 36 Jahren zu ihrem Mann, der sich schon länger in der Arktis aufhält, nach Spitzbergen, um dort ein Jahr lang mit ihm in einer winzigen Hütte ohne Komfort in absoluter Einsamkeit zu verbringen. Und was sie anfangs selbst nicht glaubt, sie erliegt dem Zauber der Natur, der Stille und der weißen Weite.

Bereits im letzten Winter hatte ich mir dieses Buch gekauft. Offenbar hat es aber jetzt erst den richtigen Zeitpunkt des Lesens gefunden. Wohl auch, weil der kühle Norden mich immer mehr anzieht. Wie man schon an obigem Zitat erkennen kann, liegt die Besonderheit dieses Buches nicht nur an der Außergewöhnlichkeit, dass eine Frau 1934 mit ihrem Mann, einem Kapitän und Abenteurer, einen dunklen Winter im eisigen Spitzbergen unter schwierigsten Lebensbedingungen verbringt, sondern auch an der großartigen Sprache Ritters. Sie schafft es, all das, was man hier im gemütlichen mitteleuropäischen Winter so gar nicht kennt, in Worte zu fassen, die genau die Stimmung dieses nordischen Landstrichs spiegeln.

Und sie zeigt auch, dass Frauen all das auch können. Immer schon konnten. Christiane Ritter wusste ihre kleine Tochter bei den Großeltern gut versorgt und lebte ihren Traum und ließ sich dabei nicht von damaligen Konventionen beirren. „Laß alles liegen und stehen und folge mir in die Arktis“, schrieb ihr Mann und sie tat es. Ich bin von diesem Reisebericht, der letztlich auch Überlebens/Erwachensbericht ist, zutiefst beeindruckt. Gleich nach der Ankunft, ihr Mann ist längere Zeit auf der Jagd, erlebt sie allein in einer winzigen Hütte einen tagelang dauernden Sturm. Dies durchzustehen, war Vorbereitung auf die „Polarnacht“ (vier Monate lang ist die Sonne nicht zu sehen) und gab ihr die Kraft den Winter mit all den Entbehrungen zu überstehen. Und nicht nur das: aus jedem ihrer Sätze klingt die große Faszination, die eine solche Landschaft im Menschen auslösen kann, an. Die Weite, das Licht, das Dunkel, die Nähe zur alles überwältigenden Natur, das auf sich selbst zurückgeworfen sein klingt durch jede Zeile.

Im Laufe des Winter müssen die Ritters monatelang ohne frisches Fleisch auskommen, weil sie abhängig sind vom Auftauchen von Eisbären, die mit dem Packeis an Land kommen. Robben, Füchse und Enten werden geschossen und bevorratet. Die Daunen gesammelt, die Felle gegerbt. Hier wird einem klar, was Jagd eigentlich einmal bedeutete. Ritter beschreibt, wie wichtig die winzigen Hütten sind, die verteilt über die Fjorde stehen, um unterwegs Schutz vor Wetter und Kälte zu finden. Sie erläutert, wie es sich anfühlt bei minus 35 Grad mit Skiern über das zugefrorene Meer zu fahren, wie es ist keine Geräusche mehr zu hören oder lauthals tobende Stürme. Sie macht die Erfahrung mondsüchtig zu werden oder geisterhafte Naturphänomene zu erleben, die an Hellsichtigkeit grenzen. Heutzutage würde man sagen, sie findet im Einklang mit der (damals noch intakten) Natur zu sich selbst. Doch was sie schreibt ist so klug und wichtig, dass ihr Reisebericht Jahrzehnte überdauerte. Für mich ist dieses Buch in jeder Hinsicht besonders: es ist feministisch, es ist spirituell und es ist sprachlich beeindruckend. Eine echte Perle. Polarlichtleuchten!

Christiane Ritter lebte nach ihrer Reise wieder in Mitteleuropa, seit 1985 in Wien. Sie wurde 103 Jahre alt. Ihr Buch ist mit eigenen Illustrationen bereichert. Es erschien 1938 zum ersten Mal und erlebte bis heute unzählige Neuauflagen und Übersetzungen. Meine Taschenbuchausgabe erschien im Ullstein Verlag. Hier finden sich interessante Infos zu den Buchausgaben.

Tomas Espedal: Das Jahr Matthes & Seitz

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„Ich bin gereist um den Canzoniere
hier zu lesen wo die Gesänge an Laura geschrieben wurden
in Avignon und dem Vaucluse-Tal hier in dem Haus den Bergen
und nicht zuletzt an dem Fluss“

Schon seltsam, dass ich das neue Buch von Tomas Espedal als das am wenigsten poetische all seiner Bücher empfinde, obwohl gerade dieses in Form eines Langgedichts geschrieben ist, vermutlich in Anlehnung an Petrarcas Canzones, um die es im Inhalt oft geht. Okay, es ist Enttäuschung auf hohem Niveau, aber es ist nun mal so, dass ich sehr wenig Anstreichungen machte, sehr wenige Sequenzen mich tief berührten(wie sonst immer). Vielleicht hat es damit zu tun, dass ich es einfallslos finde, dass sich Espedals Buch nun auch um die Jahreszeiten dreht, zumindest in den Kapitelnamen, wo doch Knausgård auch schon einen „Jahreszeitenzyklus“ veröffentlichte. Oder ist es, weil ich das Liebesglück und vor allem aber das ganze Liebesleid schon aus dem Buch „Wider die Natur“ kenne?

Seis drum. Espedal wandelt auf den Spuren des Renaissancedichters Francesco Petrarcas in Südfrankreich umher, besucht dessen Haus in Fontaine-de-Vaucluse und besteigt den Berg Mont St. Ventoux, und zwar auf den Tag genau zur selben Zeit wie dieser, nur Jahrhunderte später. Er hat die Canzonieres gelesen, 366 Gedichte, überwiegend an Laura gerichtet, die unerreichbare Liebe seines Lebens, die er in seiner Dichtung verewigte und Espedal will es ihm gleich tun.

„Ein Leben ohne Bücher ist ein totes Leben
schreibt er
und berichtet in seinen Briefen von der Gartenarbeit
von Wanderungen in den Bergen
von Jagd und Fischen
von den nächtlichen Gängen am Fluss entlang:
Wer ein zu hastiges Leben lebt der lebt nicht
schreibt er“

Sucht die Einsamkeit, beklagt die verlorene Liebe und verbindet diese Reise als Kontrast mit Lesungen in Arles und Montpellier. Am Ende dieser Reise trifft er seinen Vater in Barcelona, mit dem er von dort aus eine Kreuzfahrt antreten wird.

Tatsächlich ist der Teil der Reise mit dem Vater auch der interessanteste. Gerade die Gespräche der beiden über Espedals Mutter, die die einzige Liebe des Vaters blieb und nach deren Tod er kaum mehr Lebensfreude hat. Hier zeigt sich dann unerwartet, dass der Vater während der Reise auflebt und im Gegensatz zum Sohn immer kontaktfreudiger wird. Der Sohn fühlt sich immer kleiner, immer gefangener, zieht sich zurück. Die Schiffsszenen sind für mich die stärksten des Buches, es ist der Teil, der berührt, der Teil, bei dem der schreibende Espedal wieder zu guter Form aufläuft.

„Das Alter ist ein lebender Tod, sagt er.“

Immer ist viel Alkohol im Spiel, auch zuhause wieder, wo der alles überragende Liebeskummer weitergeht. Da wird morgens schon Wein flaschenweise konsumiert, da wird gehadert und innerlich gewütet. Nun ist der neue Geliebte der Ex im Focus, ausgerechnet ein Freund des Protagonisten. Wie der Vater, vielleicht auch wegen ihm, hatte Espedal den Boxsport betrieben. Reichlich kindisch und unreflektiert trinkt er sich Mut an und will dem neuen Liebhaber in Oslo auflauern und ihn verprügeln. Glücklicherweise taucht in dieser Situation Janne auf und der Verlassene kriegt sich dadurch wieder ein. Wahrscheinlich kann man beim Lesen dieser Zeilen merken, wie mich die ewigen Liebesklagen letztlich genervt haben. Zum ersten Mal ein Buch von Espedal ohne Leuchten. Schade!

Fehl am Platz finde ich tatsächlich auch die Gedichtform dieses Textes (und nicht alle Gedichte sind komplett ohne Interpunktion, wie es hier fast durchgängig der Fall ist). Gerade im letzten Teil, wo wirklich nur biographisch erzählt wird und wenig Poesie vorherrscht.

Bleibt zu warten, wie es mit den nächsten Büchern des Autors weitergeht. Definitv empfehle ich aber weiterhin alle vorherigen Bücher, allen voran „Gehen oder die Kunst ein wildes poetisches Leben zu führen“. Zu meinen Besprechungen:

https://literaturleuchtet.wordpress.com/2019/05/12/tomas-espedal-bergeners-matthes-seitz-verlag/
https://literaturleuchtet.wordpress.com/2017/07/10/tomas-espedal-biografie-tagebuch-briefe-matthes-seitz/
https://literaturleuchtet.wordpress.com/2015/08/28/tomas-espedal-wider-die-kunst-matthes-seitz-verlag/

Eine weitere Rezension zu „Das Jahr“ gibt es bei Literaturreich.

Wie alle Bücher von Espedal erschien auch „Das Jahr“ im Matthes & Seitz Verlag. Wie bei allen Büchern hat Hinrich Schmidt-Henkel ausgezeichnet übersetzt. Eine Leseprobe gibt es hier. Ich danke dem Verlag für das Rezensionsexemplar.

Hinweis: Der Umstand, dass es sich um ein Rezensionsexemplar handelt, hat keinerlei Auswirkung auf meine Wahrnehmung und Rezension des Buches.

Brown Bag Lunch im Literaturhaus Berlin: Zum 100. Geburtstag von Else Lasker- Schüler

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Seit die beiden großartigen tatkräftigen Frauen Sonja Longolius und Janika Gelinek die Leitung des Literaturhauses Berlin Anfang 2018 übernommen haben, hat sich einiges verändert. Ich bin auch vorher gerne zu Veranstaltungen gegangen, nur seltener, weil weniger im Angebot war, was mir gefiel. Teils verstaubte alte Formate sind passè und nun gibt es unter vielem anderen auch einmal monatlich den „Brown Bag Lunch“, eine Lesung oder Gespräch über Literatur um die Mittagspausenzeit, bei der Zuhörer*innen ihr Lunchpaket verspeisen können. Klingt erst mal seltsam und gewöhnungsbedürftig. (Der Begriff kommt aus den USA, siehe Brown Bag Lunch). Im Literaturhaus wird auch eher wenig gegessen, wie ich feststellte, aber gefüllt ist der Raum auch um diese Uhrzeit fast immer. Es sind auch höchst spannende Themen, höchst interessante Akteure auf der literarischen Bühne.

Es war das zweite Mal, dass ich zur Lunchzeit hier war. Beim ersten Mal im Januar ging es um Hannah Arendt, Simone Weil und Rosa Luxemburg. Am 18. September stand die Lyrikerin und Künstlerin Else Lasker-Schüler im Mittelpunkt. Die Literaturkritikerin Meike Feßmann und die Autorin Judith Kuckart sprachen über neue Bücher zum 150. Geburtstag des „Prinzen von Theben“.

Beide haben sich ausgiebig mit der 1869 geborenen Dichterin und vielseitigen Künstlerin befasst und teilten ihr Wissen engagiert und kurzweilig. Judith Kuckart wurde wie Lasker-Schüler in Wuppertal-Elberfeld geboren und hat ihre Magisterarbeit über die Kunstfigur Prinz Jussuf von Theben geschrieben (Ihren neuen wunderbaren Roman „Kein Sturm, nur Wetter“ habe ich kürzlich hier besprochen). Sie berichtete, dass Lasker-Schüler die Figur des Jussuf  nach der Trennung von Herwart Walden erfand und dass sie möglicherweise eine Art Schutzfigur, ein Alter Ego war, die aus ihrer Phantasie und Sehnsucht entsprang.

„Ich sterbe am Leben und atme im Bild wieder auf“

Lasker-Schüler lebte zeitweise in prekären Verhältnissen, war oft auf Zuwendungen von Mäzenen angewiesen. Ihre avantgardistischen Arbeiten hatten es oft schwer, Anklang zu finden. 1932 erhielt sie endlich eine große Anerkennung, den Kleist-Preis. Doch bereits 1933 floh sie aus Berlin, wo sie seit 1894 lebte, weil man sie als Jüdin tätlich angriff und bedrohte. Sie ging in die Schweiz, wo sie aber immer nur befristete Aufenthaltsgenehmigungen erhielt. Ab 1939 lebte sie schließlich notgedrungen im Exil in Palästina. Sie starb im Januar 1945 in Jerusalem.

Bereits in Berlin und auch wieder in Jerusalem war sie bemüht, einen Kreis oder eine Art künstlerisches Kollektiv um sich herum zu begründen. Sie hoffte auf Anerkennung, auf ein Gesehenwerden und was im Außen nicht möglich war, erschuf sie sich in ihrer reichen Innenwelt und machte daraus ihre Kunst. Sie schrieb jungen Verehrern Liebesbriefe, die sicher auch als Vergewisserung des Selbst dienten und oft stellvertretend für „echte“ Liebesbeziehungen standen. Mit Gottfried Benn verband sie ein solcher Austausch, intensiv auch mit dem Maler Franz Marc und sogar mit Karl Kraus. Elke Lasker-Schüler schrieb nicht nur Gedichte, sie verfasste Dramen, verdingte sich im Varietè und als Schauspielerin. Was mich besonders interessiert, sind ihre ausdrucksstarken Zeichnungen.

Eine Faksimile-Ausgabe mit Handschriften ihrer Gedichte für Hugo May, die in der Schweizer Zeit entstanden und erst vor einigen Jahren entdeckt wurden, erschien 2019 im Wallstein Verlag. Ein echter Schatz!

Mehr Biographisches gibt es auf FemBio. Ein wunderbarer Ausstellungskatalog zu ihren Zeichnungen erschien im Suhrkamp Verlag.

Der nächste Braun Bag Lunch findet am 29.10. statt und trägt den Titel „Mein Leben mit Joyce“. Mehr über alle Veranstaltungen gibt es auf der Seite des Literaturhaus Berlin.

Marina Zwetajewa: Unsre Zeit ist die Kürze Suhrkamp Verlag

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„Ich bin mit Lyrik geladen wie eine Handgranate: bis zum Explodieren.“

Marina Iwanowna Zwetajewa (Мари́на Ива́новна Цвета́ева) wurde am 18. Oktober 1892 in Moskau geboren. Sie ist neben Anna Achmatova die berühmteste russische Dichterin, die mich zunächst aufgrund der Namensgleichheit lockte. In einem literarischen Kalender fand ich auf einem Blatt einen schönen Text, mit dem ich mich sogleich identifizieren wollte. Es war der Auslöser, mich der Dichterin anzunähern, was nicht so leicht ist. Letztlich bin ich immer wieder und immer noch mit ihr beschäftigt.

Wie Selbstgespräche muten sie an, die Zeilen und Texte in Marina Zwetajewas bisher unveröffentlichten Schreibheften, die der Suhrkamp Verlag nun gesammelt herausgegeben hat. Es sind vier Hefte, die überwiegend im Exil in Frankreich geschrieben wurden. Gedankenspuren sind es, Traumnotizen, Lebensüberlegungen. Es sind die einzigen schriftlichen Darlegungen, die sie aus Frankreich mit in die Sowjetunion zurücknahm. Vieles ließ sie zurück, manches versteckt bei Freunden oder nur mündlich weitergegeben. Auf jeden Fall ist es ein Wunder, dass sie erhalten blieben. Die Hefte zeugen außer von großer Dichtkunst, Leidenschaft und innerem Reichtum, auch von bitterer Not und prekärer Armut und von der ewigen Suche.

„Die Begegnung mit einem Dichter (einem Buch) ist für mich eine Wohltat von ganz oben. Nicht anders lese ich.“

Es finden sich sehr zugetane Briefe?, notierte Gespräche? mit Boris Pasternak. Im regen (brieflichen) Austausch war Zwetajewa mit vielen, nicht zuletzt mit Rainer Maria Rilke und Ossip Mandelstam. Manch pathetischer leidenschaftlicher Liebesbrief ist dabei. Mit Konstantin Rodsewitsch, der auch auf einigen der Fotos im Buch zu sehen ist, verband sie eine Liebesgeschichte, die die Ehe mit Sergej Efron gefährdete. Zwetajewas Liebesgeschichten waren höchst intensiv, doch nie hinreichend und von Dauer.

„Bei der Frau ist Kreativität stets ein Normbruch. – Und beim Mann, offenkundig, der Normalfall?“

Eine kritische, hinterfragende Stimme, also auch, was das weibliche Schreiben angeht und die geringere Anerkennung von Schriftstellerinnen, zumal Zwetajewa für ihre Zeit eine absolut unabhängige Frau war.

Viele Sätze und Abschnitte in den Originalnotizheften sind nicht mehr komplett lesbar, so ist es zum Teil recht schwierig zu verstehen, was die Dichterin meint. Die Zeilen erscheinen bruchstückhaft und verrätselt. Ganze Passagen sind in Französisch geschrieben.  Oft erfolgt die Anrufung der antiken Götterwelt. Manches erscheint mir zutiefst spirituell und transzendent. Viele zeugen von einem höchst komplexen Denken, nicht nur im Kleinen, sondern auch in größeren Zusammenhängen. Man darf vor allem auch davon ausgehen, dass sich Zwetajewa unentwegt mit der politischen und gesellschaftlichen Situation in ihrem Heimatland auseinandersetzte, auch und gerade im Exil.

„… Hier (im Exil) bin ich – unbrauchbar, dort (in Russland) bin ich undenkbar.“

Aber auch der teils bissige Humor scheint durch manche Zeilen, wie etwa im Bericht über den Besuch eines Vortrag des Anthroposophen Rudolf Steiner im Jahr 1923:

(deutsch:) „Herr Doktor, sagen Sie mir ein einziges Wort – fürs ganze Leben!“
L(ange) Pause und, himmlisch lächelnd, mit Nachdruck:
(deutsch:) „Auf Wiedersehn!“

Eine wichtige Rolle spielen immer die beiden Kinder. Die Tochter Alja, die dem Vater nacheifert und sich vor allem für Politik, für die große Sache, für den neuen Menschen, wie in Stalin propagiert, interessiert, und Murr, der Sohn, der Zwetajewa am nächsten steht. Von ihren Dialogen und seinen Kindersprüchen gibt es im Buch unzählige Seiten. So erklärt sich auch, weshalb man ihn Murr, nach E.T.A. Hoffmanns Kater, nannte:

„Mama, machen Sie mich klein!“ – „Mama, machen Sie mich zu einem Kater! Zu einem lebendigen Kater, einem echten, mit Pfoten!“

Alja geht zurück nach Moskau, wo der Vater lebt, während Marina in Paris irgendwie versucht sich und den Sohn durchzubringen. Hier entstehen auch die vier Notizhefte, die vielleicht ein klein wenig als Nachlassarchiv gedacht waren, denn sie wusste nicht, was von ihren Werken in der Sowjetunion überdauern würde, für die sie schließlich 1939 auch wieder ein Einreisevisum beantragte. Marina Zwetajewa wählte schließlich 1941 in Jelabuga, wohin sie nach dem Einmarsch der Deutschen verbracht wurde, den Freitod.

„Ich schreibe stoßweise – es ist wie eine Belohnung. Gedichte sind Luxus. Mein ewiges Gefühl, dass ich darauf kein Anrecht habe.“

Weitere Lektüre zum Thema habe ich bereits hier auf dem Blog und auf fixpoetry vorgestellt. Ein Klick auf das Bild führt jeweils zum link der Besprechung. In Romanform widmen sie sich jeweils einer bestimmten Phase in Zwetajewas Leben und Arbeiten: Die Finnin Riikka Pelo nähert sich der Beziehung Marinas zu ihrer Tochter Adriana. Hier wird auch viel von und aus den Notizheften erzählt. Und der Franzose Simon-Pierre Hamelin schreibt intensiv über die Zeit in Paris, als Marina in Clamart, einem Vorort, lebte (wie später auch unter ganz anderen Voraussetzungen Peter Handke).

Zum Schluß: dieses Zitat ist eine sehr schöne, für mich sehr stimmige Idee, wie man Gedichte schreibt, welche Herangehensweise man wählt, was man als Lyriker/in ja oft gefragt wird. Zwetajewa kommt meiner eigenen Idee vom Lyrikschreiben damit ziemlich nah.

„An Gedichten braucht man nicht zu arbeiten, der Vers selbst muss an einem (in einem!) arbeiten.“

Ganz viele Infos und eine Kurzbiographie von Marina Zwetajewa gibts bei FemBio. Bei planet lyrik findet man einen sehr ausführlichen informativen Beitrag über Zwetajewas Schreiben.
„Unsre Zeit ist die Kürze“ erschien im Suhrkamp Verlag. Herausgeber und Übersetzer aus dem Russischen und Französischen ist Felix Philipp Ingold, der auch ein informatives Nachwort dazu verfasste. Eine Leseprobe gibt es hier. Ich danke dem Verlag für das Rezensionexemplar.

Hinweis: Der Umstand, dass es sich um ein Rezensionsexemplar handelt, hat keinerlei Auswirkung auf meine Wahrnehmung und Rezension des Buches.

Andreas Maier: Die Familie Suhrkamp Verlag

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Ein neuer Band der autobiografischen, auf 11 Bände angelegten Romanserie „Ortsumgehung“ des 1967 in Bad Nauheim geborenen Andreas Maier wird von mir immer freudig erwartet. Hier kann ich sicher sein, dass ich mich auf hohem Niveau amüsiere. Thomas Bernhard lässt grüßen – Maier schrieb seine Dissertation zu Bernhard. Zu meinen Besprechungen bereits gelesener Bände gelangt man durch Klick auf die Buchcover unten.

Nach sechs Bänden, in denen er das möglicherweise schwierigste „Kapitel“ nur umkreist, schlägt Maier diesmal, im siebten, zu: Es geht um die eigene Familie. Und in der Tat schlägt dieses Buch einen raueren Ton an. Es geht um die Verschwiegenheit der Nachkriegseltern, um den vermeintlichen inneren Zusammenhalt einer recht wohlhabenden Familie, um die Leichen im Keller, die wohl jede Familie hat und von denen Maier nun zum ersten Mal genauer erzählt. Seinem Erzählton meine ich anzumerken, dass dieses Buch auch eine Art Abrechnung mit den Eltern ist, zumindest zeigt er schonungslos die einzelnen Beziehungen der Mitglieder zueinander auf. Das klingt mitunter recht bissig. Sogar die Sprache erscheint mir weniger ausgefeilt als sonst. Vielleicht, weil das Thema dem Autor doch auch sehr nahe geht.

„Ich hatte als Kind das Bild: Immer wenn jemand eine Person von außen kennenlernt, beginnt die Entfremdung (wie bei den funktionalen Miterziehern). Alles, was von außen kommt, ist schädlich und gefährlich.“

Maier erzählt zunächst von einzelnen Familienmitgliedern, von Onkeln, von Geschwistern, den Eltern. Wichtig ist, wie immer in seinen Geschichten die Verortung. Maiers Familie lebt in der hessischen Wetterau, in der kleinen Stadt Friedberg. Die Eltern besitzen ein riesiges Grundstück, auf dem das neue Haus gebaut wurde, auf dem aber auch noch Reste der alten Firma der Großeltern, einem Steinmetzbetrieb, stehen, unter anderem eine zerfallende Wassermühle.

Die unter Denkmal stehende alte Mühle spielt dann auch die Hauptrolle in einem sich über Jahre hinziehenden Gerichtsprozess, der die Familie in den Ruin bringen könnte. Hier erlebt der Erzähler zum ersten Mal den Vater als unaufrichtige, janusköpfige Person, die er im Verlauf Avatar nennt. Von nun an, beginnt er die Entscheidungen und Aussagen der Eltern stärker zu hinterfragen. Wir kennen das alle: Als Kind scheint einem alles richtig, was Eltern einem erzählen – später wird man klüger.

„Als Kinder transzendierten wir den Horizont der Familie zunächst nicht, sondern wuchsen mit ihren Positionen auf.“

Das Familienoberhaupt ist Jurist mit einer guten Position und sehr konservativ. Als der ältere Bruder des Erzählers zusehends in linke Kreise gerät, hängt bald der Haussegen schief. Der Bruder lässt sich nicht beirren und macht so bald als möglich den Abgang nach Berlin. Die Schwester ist ebenfalls ein Sorgenkind. Sie heiratet einen Amerikaner, zieht mit ihm in die USA, bekommt Kinder, kehrt zurück, geht wieder weg, kehrt zurück, etc. pp. Und alles auf Kosten der Eltern.

Wie wir wissen, im letzten Roman „Die Universität“ wird ausführlich darüber erzählt, beginnt unser Held ein Studium in Frankfurt am Main und ist somit ebenfalls aus der Schusslinie der elterlichen Instanz.

Im zweiten Teil des Buches wird es nun wirklich brenzlig. Hier erfährt der Protagonist von der örtlichen Buchhändlerstochter (und Ex-Freundin) aus alten, wieder gefundenen Tage- und Meldebüchern, dass das Grundstück nicht schon ewig lange der Familie gehörte, wie es immer in den Erzählungen der Eltern hieß. Vielmehr ist es naheliegend, dass das Land enteignet wurde und die jüdische Besitzerin die Zeit des Nationalsozialismus nicht überlebte …

„Die Frage nach Parteimitgliedschaft mußte aus irgendwelchen düsteren Gründen bei meiner Mutter einen solchen Adrenalinausstoß verursachen, daß sich eine alles vernebelnde Wolke in ihrem Gehirn ausbreitete und sie nicht einmal merkte, daß sie mir das schon zehnmal erzählt hatte und ihr Wortlaut dabei immer exakt ein und derselbe war.“

Ziemlich erschüttert über dieses Nichtwissen, dieses Verschweigen der Eltern und Großeltern, fragt sich der Autor, was er hier eigentlich schreibt, wie naiv er tatsächlich bisher über die Geschichte, den Ort, die Geschehnisse in der Familie schrieb. Wie kann es nun weitergehen? Wie mit der plötzlich „neuen“ Vergangenheit schriftlich umgehen?

Im Zuge der Lektüre wurde mir klar, dass ich den Band „Das Haus“ auch noch einmal lesen wollte, da es hier genau um das Grundstück, den Hausbau und Einzug ging und um das Problemkind Andreas, dem es am besten ging, wenn er allein zuhause war. Zu wenig erinnerte ich noch von dem bereits vor Jahren Gelesenen. Das war in der Tat sinnvoll und ergänzte die Gedächtnislücken. Die Stimmung in diesem Band ließ mich sehr oft an meine eigene Kinderzeit denken (Ich wurde im selben Jahr geboren wie Maier). So sind alle Bände des Zyklus separat mit Gewinn lesbar, ergeben aber schließlich ein stimmiges Bild durch die komplette Lektüre. Da die einzelnen Bände sehr schmal sind, ist nichts einfacher als das. Mehr- und unbändiges Leuchten!

Alle Bände erschienen im Suhrkamp Verlag. Eine 10-Seiten-Lesung des Autors gibt es hier:

Eine weitere begeisterte Besprechung (von allen Bänden) gibt es beim Blog BooksterHRO.