Menschheitsdämmerung ~ Symphonie jüngster Dichtung Hrsg. Kurt Pinthus Rowohlt Verlag

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Schon seit meiner Buchhändlerausbildung steht dieses Buch in meinem Regal. Eines von denen, die ich nie aussortieren würde. Nun hat der Rowohlt Verlag zum 100-jährigen Jubiläum diese wunderbare Anthologie expressionistischer Gedichte in einer neuen gebundenen Ausgabe herausgebracht, mit einem Nachwort von Florian Illies. Es lohnt sich, sich spätestens jetzt dieses Buch zuzulegen, denn es enthält Lyrik, die zur Zeit als sie geschrieben wurde, bahnbrechend war.

Die Gedichte im Buch sind nicht nach Autoren oder chronologisch sortiert, sondern nach bestimmten Motiven, die diese Zeit abbilden. So lauten einzelne Kapitel „Sturz und Schrei“, „Erweckung des Herzens“, „Aufruf und Empörung“ und „Liebe den Menschen“. Das Buch hatte großen Erfolg: „Es erlebte in zwei Jahren vier Drucke mit 20 000 Exemplaren“, schreibt Kurt Pinthus in seinem Vorwort der Neuauflage über die erste Ausgabe von 1919. Davon kann ein heutiger Lyrik-Verleger nur träumen.

1959 ergänzte Pinthus dann die Neuauflage mit biografischen Daten der Dichter. Dazu kommt manches gezeichnete Porträt eines Dichters. Man muss auch wissen, dass zu diesem Zeitpunkt, manche der Autoren, in der NS-Zeit geächtet, vertrieben oder getötet, vollkommen verschwunden waren aus dem Literaturkanon.

Etwas ganz neues brach damals in der Zeit des Expressionismus an. In der Lyrik ist diese Epoche verkörpert von Autoren wie Georg Trakl, Gottfried Benn, Elke Lasker-Schüler, u. v. a. Wohl jedem bekannt ist hier natürlich auch das berühmte Gedicht von Jakob van Hoddis „Weltende“:

„Dem Bürger fliegt vom spitzen Kopf der Hut,
In allen Lüften hallt es wie Geschrei.
Dachdecker stürzen ab und gehn entzwei
Und an den Küsten – liest man – steigt die Flut.

Der Sturm ist da, die wilden Meere hupfen
An Land, um dicke Dämme zu zerdrücken.
Die meisten Menschen haben einen Schnupfen.
Die Eisenbahnen fallen von den Brücken.“

Auch der Dichter Georg Heym, der mir kürzlich durch den großartigen Roman „Der Gott der Stadt“ von Christiane Neudecker, wieder ins Bewusstsein gerufen wurde, ist mit seinen Gedichten dabei. Er starb noch jung, als er im Winter 1919 auf dem Wannsee ins Eis einbrach. Darüber hinaus erfährt man einiges in oben genannten aktuellen Roman.

«Mein Gott, ich ersticke noch mit meinem brachliegenden Enthusiasmus in dieser banalen Zeit», so schrieb der Dichter Georg Heym am 15. September 1911 in sein Tagebuch. Seine Verse und die seiner Generationsgenossen sind also auch immer Versuche, endlich wieder frei atmen zu können.“

Bemerkenswert ist allerdings auch, dass es nur eine einzige Dichterin, nämlich Elke Lasker-Schüler, in diese Sammlung geschafft hat. Sie ist glücklicherweise mit vielen Gedichten vertreten und toppt dabei so manche der enthaltenen männlichen Autoren.

Alles in allem finde ich diese Sammlung sehr gut, um sich einen Überblick über diese prägnante „neue“ Lyrik zu verschaffen. Womöglich kommt einem aus Schullektüren einiges bekannt vor; so ging es mir jedenfalls. Die Themen sind zeitlos, vieles berührt heute noch genauso wie damals. Und vieles, was damals an Schrecken und Grauen benannt wurde, ist auch heute noch nicht Vergangenheit.

„Genau in dieser Versöhnung der vermeintlichen Gegensätze durch die Kraft der Sprache, in diesem Aufbrechen der Hierarchien liegt der Befreiungsakt der Lyrik des Expressionismus – und deshalb wirkt er nach jedem seiner Untergänge so unzerstörbar weiter.“

Das Buch erschien im Rowohlt Verlag. Eine Leseprobe und weitere Infos über den Jubiläumsband gibt es hier.

Eva Maria Leuenberger: dekarnation Literaturverlag Droschl

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Auf dem Lyrik-Debütband der 1991 in Bern geborenen Eva Maria Leuenberger schlängelt sich das Skelett eines Fisches(?) über das Cover. Es könnte mit zarter Pastellkreide gezeichnet sein, könnte aber auch schlichtweg eine Röntgenaufnahme sein. So passt das Cover stimmig zum Titel und weist bereits auf die zu erwartenden Gedichte hin.

Auf wikipedia finde ich folgende Beschreibung des Wortes Dekarnation:

„Die Dekarnation(„Entfleischung“) oder Exkarnation(„Ausfleischung“) bezeichnet in der Archäologie und der Ethnologie(Völkerkunde) alle Vorgänge, durch die ein menschlicher Leichnam oder ein Tierkadaver von allen Weichteilen befreit wird, so dass nur die Knochen und bei Tieren auch das Geweih oder die Hörner übrig bleiben. Verschiedene Techniken der Dekarnation wurden und werden als Teil von Bestattungsritualen angewendet; das reicht vom Auslösen mit Messern, Verwesenlassen und Wiederausgraben bis hin zum Aussetzen als Fraß für Vögel.“

Sehr einladend klingt das zunächst nicht, doch schon beim Lesen des ersten Gedichtes, weiß ich dass mir hier etwas Existentielles angeboten wird, etwas was mich brennend interessiert. Wer sich nicht scheut, mit der Vergänglichkeit in Berührung zu kommen, ist hier willkommen. Das, was letztlich uns alle betrifft, bereits zu Lebzeiten wahr zu nehmen, zu integrieren, sich damit zu beschäftigen, ist keine allzu schlechte Idee.

„du bist nichts als zeit die fest
wird und zerrüttet
/ ein bröcklig gewordener ton
der zittert und bricht /“

Es beginnt im Kapitel eins alles noch sehr idyllisch in einem „Tal“, an einem Bach. Ein Mensch, erwacht, ein lebendiges Wesen berührt das Wasser, das Moos, sieht das Reh, den Vogel, den Himmel, den Himmel gespiegelt im Wasser. Das Lebewesen steht auf und geht … und wer weiß, ob es dann noch ein lebendiges Wesen ist oder der Versuch einer Auferstehung, am Ende gar Wiedergänger? Ein Naturgeist? Eine Moorleiche? Befinde ich mich in einem dystopischen Szenario?

Was Leuenberger hier in kraftvolle und doch feine Poesie übersetzt, ist ungewöhnlich und gefällt mir sehr. Naturgedichte? Ja. Aber es ist keine liebliche Natur, die in den vier Kapiteln „ Tal, Moor, Schlucht, Tal“ genannt, auftaucht. Es ist eine wilde unnachgiebige Natur, die sich ihr Reich zurückerobert. Die Verstorbenen werden vom Moor umschlungen und bleiben. Und werden lange lange Zeit später selbst wieder Moor. Wie kurz doch ein Menschenleben ist! Wie klein der Mensch im Großen Ganzen.

„dort, wo der see zu moor wird
gibt es keine zeit
ein moor und ein körper
heißt unendlichkeit“

Im zweiten Kapitel „Moor“ wird es dann klar, dass es sich um Moorleichen handelt. Mann Tollund und Frau Elling sind zwei tatsächlich in Dänemark im Moor gefundene Menschen. Erhalten noch Knochen und Haare. Dekarniert von der Natur selbst.

Leuenbergers Gedichte, eigentlich ist es ein einziges langes Gedicht, sind von einem einzigartigen Rhythmus geprägt. Ich muss an klassische englische Naturdichter denken, wobei hier alles extrem verknappt gehalten ist, keine Ausschweifungen, nur die Klarheit und Direktheit der Natur. Mehr braucht es nicht. So ist es sogar eindringlicher und zwischendurch geradezu unheimlich. Im Anhang lese ich, dass die Lyrikerin sich mit Emily Dickinson („vielleicht ist sehnsucht ein weißes Kleid“) und Anne Carson beschäftigt und diese auch einige Male zitiert.

Das dritte Kapitel, „Schlucht“ überschrieben, hebt sich durch die Gestaltung, die Einteilung der Verse ab. Enorme Zeilensprünge, Einrückungen, viel Leerraum dazwischen. Hier befindet sich ein Wesen, eine denkende fühlende Kreatur auf dem Weg durch Raum und Zeit, befindet sich womöglich bereits im Übergang in eine andere natürliche Daseinsform.

„und vor dir
wartet die schlucht

der anfang der nacht dringt
durch die zweige du weißt
niemand wartet auf dich
du weißt es und trotzdem
suchst du die bäume ab“

Im letzten Kapitel kehrt alles zurück, bewegt, verwandelt und so schließt sich der Kreis. Anfang und Ende unabwendbar das „Stirb und werde“.

In einer erweiterten Sichtweise finde ich das Dasein in einem Körper, der nicht mehr funktioniert. Geht es um Krankheit, Schmerz? Eher noch um den Tod. Leuenbergers Gedichtzyklus könnte ein Memorandum des Sterbens sein. Ein/e Sterbende/r erzählt, Körpervorgänge im Focus. Es kann aber auch die Beschreibung eines alten Horrorfilms sein: „das Bild knistert“. Es könnte der Weg Dantes ins Inferno sein. Es kann ein Traum sein. Ein Alptraum. Eine Vision.

„einmal reißt der nebel ein
und die luft dringt durch –
stille taut auf und wasser:
tropft die worte weich“

Aber vielleicht ist es alles ganz anders. Möge jede/r sich selbst ein Bild machen. Und Bilder gibt es ausreichend, sie entstehen sofort. Und es darf auch ein Geheimnis bleiben. Fragen dürfen bleiben, blieben mir noch tagelang … So oder so ist dieser Gedichtband in meinen Augen ein kleines Wunder.

Diese Rezension erschien zuerst am 14.8. auf dem Hotlistblog.

Knut Ødegård: Die Zeit ist gekommen Elif Verlag

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Rechtzeitig zur diesjährigen Frankfurter Buchmesse mit Ehrengast Norwegen erschien im Elif Verlag die erste Übersetzung eines Lyrikbands von Knut Ødegård ins Deutsche. Åse Birkenheier hat dies meisterhaft geschafft. Der Dichter ist in seiner Heimat sehr bekannt und erhielt zahlreiche Preise für sein lyrisches Werk.

Diese Lyrik erzählt. Sie beschäftigt sich mit der Vergangenheit, der Gegenwart  und einer möglichen Zukunft. Es sind keine verrätselten Gedichte, sondern glasklare in ihrer Direktheit. Eindeutige Aussagen werden von poetischen Zeilen umspült. Das liest sich, als würde man auf einem Boot sitzen, von Wellen bewegt, mal mehr, mal weniger heftig.

Mutter

Ich habe eine Mutter in blauem Mantel.

Sie nimmt meine Hand, ich bin
klein, ich habe Angst, sie
führt mich.

Ihr Mantel ist
mit Sternen übersät.
Der Schnee ist sehr tief
hier, wo wir gehen, auf der nicht geräumten
Milchstraße: Sie
und ich.

Ødegårds Gedicht über Zeit, gleich das erste im Band, welches auch den Titel des Buches vorgibt, ist von unglaublicher Eleganz. Was im nächsten Kapitel folgt, sind eigentlich beinahe Fließtexte, die Geschichten erzählen. Man darf sie dennoch Gedichte nennen, so voller Poesie sind sie. Ødegård hat sich durchweg schwierige Themen auferlegt, die es einem nicht leicht machen. Vielleicht ist aber dies der einzig machbare Weg, sich mit ihnen auseinanderzusetzen, sie in eine poetische Form zu bringen, sie sozusagen zu umschließen und in ihrer Brüchigkeit zusammenzuhalten.

Ob der Dichter von der Großtante schreibt, die noch Jahrzehnte nach dem Krieg an einem Schal für den (gefallenen) Sohn strickt,

„Saß da
im Dachgeschoss und schaukelte auf und ab, ab
und auf im schwarzen Schaukelstuhl
mit so langen Kufen, dass die schimmelweißen Locken
in Tantes bakteriengelben Kopf mit roten Geschwüren
manchmal Stern berührten, ferne Spiralgalaxien
im endlosen Raum des Himmels,
und manchmal den gierigen Humusmund der Erde,
der von unten schnappte.“

ob vom Kirchendiener, der sich um die kleinen Ministrantenbuben „kümmert“, oder ob er von dem psychisch kranken Lars erzählt, der mit Elektroschocks und einer Lobotomie „behandelt“ wird, es sind erschütternde Zeugnisse der Vergangenheit.

Ein weiteres wichtiges Thema ist das Altern. Hier lese ich sehr anmutige, berührende Verse über den uns allen bevorstehenden Alterungsprozess und das Glück, jemanden an der Seite zu wissen.

„Ein wenig schief kehren wir heim
vom Spaziergang an diesem Sonntag, wir beide. Du
und ich. Und langsam
streiche ich dir übers Haar, das
noch vor kurzem durchs Universum
flog: Du, noch vor kurzem ein kleines Mädchen
auf einer Schaukel.“

Ergänzt wird dieser Teil durch weitere, wie ich finde, sehr schwere Gedichte. Den längeren Zyklus „Nieselregen“ am Ende des Bandes kann ich fast nicht ertragen. Er erzählt von einer Apokalypse der Menschheit. Hier werden Menschen wieder zutiefst unmenschlich, werden zu Monstern, hier stürzt die Welt wieder ins Chaos. Nicht umsonst werden hier auch Zeilen aus der „Edda“ zitiert. Und hier trifft es wirklich zu: Die Zeit ist gekommen.

Ødegårds Gedichte sind schonungslos, aber oft klingt für mich etwas Höheres durch die Zeilen. Es ist viel vom Universum die Rede und das ist womöglich im Blick des Dichters (oder der Leserin?) auch ein spiritueller Raum. Vielleicht kommen wir dem alle näher, wenn sich unser Dasein gen Ende neigt, vielleicht werden wir alle uns erst dann des Todes bewusster …

Der Lyrikband des 1945 in Norwegen geborenen, teils in Island lebenden Knut Ødegård erschien im kleinen feinen Elif Verlag , auf dessen Programm es lohnt, einen Blick zu werfen. Ich danke dem Verlag für das Rezensionsexemplar.

Hinweis: Der Umstand, dass es sich um ein Rezensionsexemplar handelt, hat keinerlei Auswirkung auf meine Wahrnehmung und Rezension des Buches.

Der Traum in uns – Lyrik aus Norwegen Ehrengast Frankfurter Buchmesse 2019 #3

„Der Traum in uns“ ist das Motto des diesjährigen Ehrengasts der Frankfurter Buchmesse. Die Zeile ist einem Gedicht Olav. H. Hauges entnommen (unten eine Vertonung des Gedichts). Das finde ich schon bedeutsam. Lyrik spielt in Norwegen eine viel größerere Rolle als etwa bei uns. Als ich vor vielen Jahren in einer kleinen Stadt in Norwegen eine Buchhandlung betrat, wie ich es immer in anderen Ländern mache, war ich freudig überrascht, wie viel Platz der Lyrik in den Regalen eingeräumt wurde.
Ich stelle hier eine kleine Auswahl an Lyrikbänden vor.

Olav H. Hauge

Olav H. Hauge ist einer der bekanntesten Lyriker in Norwegen. Er lebte von 1908 bis 1994. Ich habe Hauges Gedichte und seine Tagebuchauszüge bereits vor längerer Zeit gelesen und auch hier auf dem Blog vorgestellt. Der Dichter stammte aus einer einfachen Landfamilie in Westnorwegen, sehr abgelegen der Hof. Er war Obstgärtner, neugierig, klug, unglaublich belesen und sprachbegabt. Teils las er im Original Lyrikbände oder auch berühmte Philosophen. Klaus Anders, der Übersetzer der Hauge-Bände hat einen wunderbaren Beitrag über Hauge auf fixpoetry veröffentlicht.

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Kjartan Hatloy

Kjartan Hatløys Gedichte sind sehr nah an der Natur. So lebt auch der 1954 in Westnorwegen geborene Dichter ganz abgeschieden und sowohl der Natur als auch den Büchern verbunden. Ich lernte ihn durch seinen Übersetzer Klaus Anders kennen. Bisher gibt es 2 Bände in deutscher Sprache: „Der weiße Weg“ und „Die Lippen verlangen nach Ocker“. Hatløy ist der Onkel des berühmt gewordenen Karl Ove Knausgård. Es gibt einen sehr schönen Film von Frank Wierke über den Dichter und seinen Lebensraum „Solrøven. Sonnenfuchs“.

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Jon Fosse

Der große norwegische Schriftsteller und Dramatiker Jon Fosse (geb. 1959) ist auch ein wunderbarer Lyriker. Im kleinen, (gerade auch für nordische Literatur) unbedingt empfehlenswerten Verlag Kleinheinrich erschien der zweisprachige Gedichtband „Diese unerklärliche Stille“, der unübertrefflich schön gemacht ist. Auf feinstem Papier mit schönsten Illustrationen liest man hier Gedichte, die von sehr großer Weite und unendlicher Tiefe zeugen. In ähnlich schöner Aufmachung erschien aktuell zur Buchmesse ergänzend ein Prosaband „Kindheitsszenen“.

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Ruth Lillegraven

Ruth Lillegravens Lyrikband „Sichel“ hat es auf die Hotlist der unabhängigen Verlage geschafft. Ich habe ihn für den Hotlistblog besprochen. Es ist ein eigentlich ein einziges Langgedicht über ein naturnahes Leben, welches plötzlich gefährdet ist durch eine Krankheit. Wie dann Sprache und Literatur Heilung bringen können, erzählt die 1978 geborene Lillegraven auf wunderbare Weise. Der Band erschien im Verlag Edition Rugerup (sowieso ein Ort für nordische Lyrik) und Klaus Anders hat es übersetzt.

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Ulrik Farestad

Einer der bekanntesten jungen Lyriker ist der 1984 in Oslo geborene Ulrik Farestad. Sein Band „Staub, Sterne, Pixel“ erschien ebenfalls bei Edition Rugerup. Seine Gedichte sind Beobachtungen des Alltags und spiegeln mitunter auch Gesellschaft und Politik des Landes. Übersetzer ist auch hier Klaus Anders.

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Knut Ødegård

Knut Ødegårds Lyrik ist nun in diesem Band „Die Zeit ist gekommen“ aus dem Elif Verlag auch in deutscher Sprache zu lesen. Seine Gedichte sind eigentlich kleine Geschichten. Sie wenden sich sehr direkt an den Leser. Schonungslos und mit hoher Aktualität schreibt der 1945 geborene Dichter, der in seiner Heimat sehr bekannt ist, auch von Unfassbarem, von Leid, Trauer und nicht zuletzt dem Altern. Es übersetzte Åse Birkenheier. Meine ausführliche Besprechung dazu hier.

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Rolf Jacobsen

Der Norweger Rolf Jacobsen (1907-1994) ist einer der wichtigsten Dichter seines Landes. Seine Texte im Band „Nachtoffen“ spiegeln die Natur, die Abfolge der Jahreszeiten und doch auch die Zivilisation, das Leben in der Stadt und auf dem Land. Er erkannte die Armut seiner Umgebung und schrieb darüber. Jacobsen hat einen tiefergehenden Blick für die Dinge, auch für die inneren. Der Band erschien in der Edition Rugerup, übersetzt von Klaus Anders.

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Anthologie „Sternenlichtregen“

Die Anthologie aus dem Wunderhorn Verlag bietet einen guten ersten Überblick über die aktuelle Lyrik in Norwegen. Hier findet man nicht nur traditionell schreibende Dichter sondern auch experimentierfreudige. Es finden sich sowohl ältere als auch jüngere Stimmen ein. Mir gefällt dieser Gedichtauszug der 1994 geborenen Svanhild Amdal Telnes besonders gut:

„In den Nächten
benutzt Mutter einen Tropfenzähler
bei ihrer Arbeit

Sie reiht
kleine, salzige Perlen
auf unsere Wangenknochen

Ob sie die bei Ebbe sammeln geht?“

Ruth Lillegraven: Sichel Edition Rugerup

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Aus Norwegen, dem diesjährigen Ehrengast der Frankfurter Buchmesse, kommt ein in seiner Schlichtheit der Sprache außergewöhnlich eindrücklicher Lyrikband von Ruth Lillegraven. Die 1978 in Westnorwegen geborene Dichterin taucht ein in eine archaische Lebenswelt, die sich in ihren Menschen und in der Natur manifestiert. Hier ist wenig Raum für fliegende Gedanken. Hier ist vielmehr harte Arbeit angesagt. Und für den Held dieses Langgedichts ist es schwer, als er seine körperliche Kraft verliert. Dass neue Energie aus dem Geist kommen darf, dass Worte, die oft so schwer fielen, ganz neue Räume eröffnen, gleicht höchster Magie. So magisch wie diese Gedichte.

In einer klaren einfachen Sprache bildet Lillegraven ihre Verse. Sie sind bis aufs absolut Notwendigste verdichtet, enorm konzentriert. Zeilen- und Wortwiederholungen prägen die Gedichte und machen sie dringlich, bilden den Rhythmus.

all dieser stein

alles fällt
in den fjord
der himmel
der berg, das licht
blau in blau
grau in grau
nass in nass
alles in alles

alles fällt
in den fjord

Im Kapitel I werden wir in eine Familie eingeführt. Der Mond lenkt anfangs das Geschehen. Ein Kind, der Junge Endre, der nicht schlafen kann und vom Vater mit dem Mond vertraut gemacht wird. Eine Zärtlichkeit liegt in diesen Zeilen, eine Liebe. Der Junge benennt seine Eltern in der Sprache der Natur:

mutter und vater

meine mutter ist sonnenschmelz
und butterblume

vater ist altfichte
und adlerkreisen

Als der Junge vier wird, redet er nicht mehr. Viel später erst beginnt er von neuem, doch:

die stille sitzt in mir, liegt auf der lauer
als wäre sie eine andere sprache

Die Mutter erkennt, dass dieser Sohn anders ist als seine vielen Geschwister.

neun junge, neun walderdbeeren auf einem halm, das sagte mutter

Das Schicksal spielt ein Spiel mit der Familie. Der Hof brennt ab, der Vater wird krank und erzählt Geschichten von früher. Es ist eine Zeit, in der Krankheit leicht Tod bedeuten kann. Geschwister sterben jung. Manche heiraten, verlassen die Familie, das Land bis in die neue Welt. Sommer und Winter vergehen. Die Jahreszeiten bestimmen die Arbeit. Immer weniger Walderdbeeren. Und irgendwann sind es nur noch der Junge Endre, die Mutter, der Vater.

so sacht fällt der schnee
dass er fast nicht fällt

so sacht fällt der schnee
dass ich beinahe sehen kann
wie er sich löst und zurückfällt
in den himmel

legt sich auf dem mond
zur ruhe
hier sind die bäume
schwer und dunkel

Die Natur weist die Wege. Der Mondkalender sagt, tu dies, lass das. Darauf ist Verlass. Schon immer ist das so und bleibt so.

Dann findet Endre seine Frau. Abelone, die Tochter des Lehrers. Und sie leben auf seinem Hof.

und
den blauglockenhimmel
werde ich runterhakeln zu dir
flüstere ich, lege ihn wie
den feinsten schal
um deine
schultern

Es ist ein Leben vollkommen nach der Natur. Endre wächst ein in die Natur, wird Wald und Baum und Regen. Und Abelone erwartet ein Kind, es wird wachsen und sein Vater wird ihm den Mond zeigen in einer Nacht ohne Schlaf.

In Kapitel II stirbt Endres Vater – der ewige Kreislauf, das Stirb und werde. Doch Abelone hat eine Fehlgeburt. Kein weiteres Kind will kommen. Auch Endre erkrankt, er hat das „Reißen“, den Rheumatismus vom Vater geerbt, schafft das Pensum nicht, was Haus und Hof abverlangen. So ist er nichts wert. Der Hof wird verkauft an den Schwager, der arbeitet wie ein Bär.

so habe auch ich
meinen schatten

ich bin der du warst
sagt der schatten

ich bin der du
sein solltest

ich bin
sveins sohn

und du bist
nichts

Kapitel III lässt Hoffnung leuchten. Und was da leuchtet, kommt in einer anderen Sprache aus dem fernen Land in Übersee, wo der Bruder lebt. Er schickt ein Buch, ein Wörterbuch, dick und schwer. Endre wächst mit den Wörtern mit dem fremden Klang.

snow, sage ich
mit der neuen stimme
blättre und blättre in dem buch
die seiten dünn wie
morgendunst

Es ist eine Freude, zuzusehen, wie Endre nun auflebt. Neue Bücher kommen. Endre liest und lernt und wächst innerlich. Er liest von den Niagara-Fällen, von der Kaiserin von Indien, von Guiseppe Garibaldi und vom ausgestorbenen Vogel, dem Dodo. Endre liest und liest und blüht auf, doch Abelone, die früher die Lesende war, leidet. Sie hat mit dem Tagwerk zu tun, mit der Küche, dem Hof, auf dem sie weiterhin leben. Sie, die früher las, versteht ihn nicht mehr. Die Bücher sind nun sein Spiegel, sein Traum. Hier ist er Reisender, Entdecker, Wissenschaftler.

Und dann geschieht es wundergleich: Auch Abelone, die Enttäuschte nimmt das dicke Buch zur Hand und spricht leise die neuen Wörter. Und so finden sie wieder zusammen, durch eine neue Sprache zueinander in neuen Worten wieder gemeinsam.

Im VI. Kapitel kommt der Bruder aus Amerika zu Besuch und wundert sich und erinnert sich, wie der Bruder einmal war und wie er jetzt ist. Wie er viel redet in dieser neuen Sprache, wo er doch immer so wenig sprach früher. Endre und Abelone sprechen ihr Englisch bis der Tod Endre holt. Der ewige Kreislauf … das Stirb und werde.

Ruth Lillegravens „Sichel“ ist ein stilles langsames Buch. Es erreicht seine Höhepunkt, als Endre durch die Worte, durch Bücher, durchs Lesen neue Lebenskraft erlangt. Und doch wachsen mir von Anfang an auch die Zeilen ans Herz, die mich durch die Natur des ländlichen Norwegens um 1900 führen. Hier ist eine Tiefe zu spüren, auch eine Schwere, eine Art magischer Melancholie. Jedes Wort findet seinen stimmigen Platz, jeder Vers passt, um einen beschwörenden Rhythmus hervorzurufen. Gedichte mit sehr kurzen Zeilen und mit vielen Brüchen wechseln sich ab mit dichten, beinah blockartigen, erzählenden Textteilen, die allerdings immer in ihrer Anordnung einen sichtbaren Schwung enthalten.

Wunderschön dann die für mich sehr überraschend kommende Wende in Endres Leben, hervorgerufen durch das Studium der Bücher. Lesen als heilsame Kraft. Sprache als Licht. Das ist die wunderbare, diesem Gedichtzyklus zugrunde liegende Erkenntnis.

Und so freue ich mich sehr, dass dieser Zauberband einen Platz auf der Shortlist des Preises der unabhängigen Verlage gefunden hat. Die Gedichte wurden trefflich übersetzt von Klaus Anders, der selbst Dichter ist. Der Band erschien in der Edition Rugerup.

Diese Rezension erschien erstmals auf dem Hotlistblog. Das Buch ist eines von 10 Titeln, die für den Preis der Unabhängigen Verlage ausgewählt wurden. Auf der Seite der Hotlist gibt es eine Leseprobe.

Marina Zwetajewa: Unsre Zeit ist die Kürze Suhrkamp Verlag

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„Ich bin mit Lyrik geladen wie eine Handgranate: bis zum Explodieren.“

Marina Iwanowna Zwetajewa (Мари́на Ива́новна Цвета́ева) wurde am 18. Oktober 1892 in Moskau geboren. Sie ist neben Anna Achmatova die berühmteste russische Dichterin, die mich zunächst aufgrund der Namensgleichheit lockte. In einem literarischen Kalender fand ich auf einem Blatt einen schönen Text, mit dem ich mich sogleich identifizieren wollte. Es war der Auslöser, mich der Dichterin anzunähern, was nicht so leicht ist. Letztlich bin ich immer wieder und immer noch mit ihr beschäftigt.

Wie Selbstgespräche muten sie an, die Zeilen und Texte in Marina Zwetajewas bisher unveröffentlichten Schreibheften, die der Suhrkamp Verlag nun gesammelt herausgegeben hat. Es sind vier Hefte, die überwiegend im Exil in Frankreich geschrieben wurden. Gedankenspuren sind es, Traumnotizen, Lebensüberlegungen. Es sind die einzigen schriftlichen Darlegungen, die sie aus Frankreich mit in die Sowjetunion zurücknahm. Vieles ließ sie zurück, manches versteckt bei Freunden oder nur mündlich weitergegeben. Auf jeden Fall ist es ein Wunder, dass sie erhalten blieben. Die Hefte zeugen außer von großer Dichtkunst, Leidenschaft und innerem Reichtum, auch von bitterer Not und prekärer Armut und von der ewigen Suche.

„Die Begegnung mit einem Dichter (einem Buch) ist für mich eine Wohltat von ganz oben. Nicht anders lese ich.“

Es finden sich sehr zugetane Briefe?, notierte Gespräche? mit Boris Pasternak. Im regen (brieflichen) Austausch war Zwetajewa mit vielen, nicht zuletzt mit Rainer Maria Rilke und Ossip Mandelstam. Manch pathetischer leidenschaftlicher Liebesbrief ist dabei. Mit Konstantin Rodsewitsch, der auch auf einigen der Fotos im Buch zu sehen ist, verband sie eine Liebesgeschichte, die die Ehe mit Sergej Efron gefährdete. Zwetajewas Liebesgeschichten waren höchst intensiv, doch nie hinreichend und von Dauer.

„Bei der Frau ist Kreativität stets ein Normbruch. – Und beim Mann, offenkundig, der Normalfall?“

Eine kritische, hinterfragende Stimme, also auch, was das weibliche Schreiben angeht und die geringere Anerkennung von Schriftstellerinnen, zumal Zwetajewa für ihre Zeit eine absolut unabhängige Frau war.

Viele Sätze und Abschnitte in den Originalnotizheften sind nicht mehr komplett lesbar, so ist es zum Teil recht schwierig zu verstehen, was die Dichterin meint. Die Zeilen erscheinen bruchstückhaft und verrätselt. Ganze Passagen sind in Französisch geschrieben.  Oft erfolgt die Anrufung der antiken Götterwelt. Manches erscheint mir zutiefst spirituell und transzendent. Viele zeugen von einem höchst komplexen Denken, nicht nur im Kleinen, sondern auch in größeren Zusammenhängen. Man darf vor allem auch davon ausgehen, dass sich Zwetajewa unentwegt mit der politischen und gesellschaftlichen Situation in ihrem Heimatland auseinandersetzte, auch und gerade im Exil.

„… Hier (im Exil) bin ich – unbrauchbar, dort (in Russland) bin ich undenkbar.“

Aber auch der teils bissige Humor scheint durch manche Zeilen, wie etwa im Bericht über den Besuch eines Vortrag des Anthroposophen Rudolf Steiner im Jahr 1923:

(deutsch:) „Herr Doktor, sagen Sie mir ein einziges Wort – fürs ganze Leben!“
L(ange) Pause und, himmlisch lächelnd, mit Nachdruck:
(deutsch:) „Auf Wiedersehn!“

Eine wichtige Rolle spielen immer die beiden Kinder. Die Tochter Alja, die dem Vater nacheifert und sich vor allem für Politik, für die große Sache, für den neuen Menschen, wie in Stalin propagiert, interessiert, und Murr, der Sohn, der Zwetajewa am nächsten steht. Von ihren Dialogen und seinen Kindersprüchen gibt es im Buch unzählige Seiten. So erklärt sich auch, weshalb man ihn Murr, nach E.T.A. Hoffmanns Kater, nannte:

„Mama, machen Sie mich klein!“ – „Mama, machen Sie mich zu einem Kater! Zu einem lebendigen Kater, einem echten, mit Pfoten!“

Alja geht zurück nach Moskau, wo der Vater lebt, während Marina in Paris irgendwie versucht sich und den Sohn durchzubringen. Hier entstehen auch die vier Notizhefte, die vielleicht ein klein wenig als Nachlassarchiv gedacht waren, denn sie wusste nicht, was von ihren Werken in der Sowjetunion überdauern würde, für die sie schließlich 1939 auch wieder ein Einreisevisum beantragte. Marina Zwetajewa wählte schließlich 1941 in Jelabuga, wohin sie nach dem Einmarsch der Deutschen verbracht wurde, den Freitod.

„Ich schreibe stoßweise – es ist wie eine Belohnung. Gedichte sind Luxus. Mein ewiges Gefühl, dass ich darauf kein Anrecht habe.“

Weitere Lektüre zum Thema habe ich bereits hier auf dem Blog und auf fixpoetry vorgestellt. Ein Klick auf das Bild führt jeweils zum link der Besprechung. In Romanform widmen sie sich jeweils einer bestimmten Phase in Zwetajewas Leben und Arbeiten: Die Finnin Riikka Pelo nähert sich der Beziehung Marinas zu ihrer Tochter Adriana. Hier wird auch viel von und aus den Notizheften erzählt. Und der Franzose Simon-Pierre Hamelin schreibt intensiv über die Zeit in Paris, als Marina in Clamart, einem Vorort, lebte (wie später auch unter ganz anderen Voraussetzungen Peter Handke).

Zum Schluß: dieses Zitat ist eine sehr schöne, für mich sehr stimmige Idee, wie man Gedichte schreibt, welche Herangehensweise man wählt, was man als Lyriker/in ja oft gefragt wird. Zwetajewa kommt meiner eigenen Idee vom Lyrikschreiben damit ziemlich nah.

„An Gedichten braucht man nicht zu arbeiten, der Vers selbst muss an einem (in einem!) arbeiten.“

Ganz viele Infos und eine Kurzbiographie von Marina Zwetajewa gibts bei FemBio. Bei planet lyrik findet man einen sehr ausführlichen informativen Beitrag über Zwetajewas Schreiben.
„Unsre Zeit ist die Kürze“ erschien im Suhrkamp Verlag. Herausgeber und Übersetzer aus dem Russischen und Französischen ist Felix Philipp Ingold, der auch ein informatives Nachwort dazu verfasste. Eine Leseprobe gibt es hier. Ich danke dem Verlag für das Rezensionexemplar.

Hinweis: Der Umstand, dass es sich um ein Rezensionsexemplar handelt, hat keinerlei Auswirkung auf meine Wahrnehmung und Rezension des Buches.

Lütfiye Güzel: dreh-buch go-güzel-publishing

„Eine Tragödie ist in fünf Akte eingeteilt. In nur fünf Akte.“

Allein wegen ihrer speziellen Idee, ihre Texte selbst zu „vermarkten“ und sich nicht diesem Verlagssuche-Glücksspiel zu unterwerfen, finde ich Lütfiye Güzel erwähnenswert. Zum Glück sind aber ihre Gedichte, falls man sie dieser Kategorie zuschreiben möchte, ebenfalls eine Entdeckung wert. Die 1972 in Duisburg geborene Autodidaktin ist zudem bildende Künstlerin. Ihr Einfallsreichtum, was das Selbst-Verlegen angeht, macht sich dann auch in ihren Werken bemerkbar. So gab es schon Aufkleber mit Gedichten und eine Art Loseblattsammlung in Papiertüten.

Da ich selbst Lyrik schreibe, und mich umsehe, was andere so schreiben, ist mir ihr Name schon mehrfach aufgefallen, habe ich einzelnes gelesen. Nun wurde mir ihr neuer Band „dreh-buch“ in die Hände gespielt. Glänzender Umschlag in schwarz mit der Abbildung eines Insekts, vermutlich einer Stubenfliege (womöglich eine Plastik der Autorin?).

„Weitere Notizen des Zweifelns:
Wie soll dieses Theaterstück
auf die Bühne kommen? Der Film auf
die Leinwand? Schreiben reicht nicht
mehr. Es muss getreten werden
und gebrüllt.“

Im Inneren in der typischen Schreibmaschinenschrift „Courier New“ das Drehbuch. Ein Drama in 5 Akten. Dass es sich hier wirklich um ein Theaterstück handeln soll, scheint mir wenig glaubhaft. Wenn überhaupt, dann ist es eher ein treffliches Abbild der Inszenierung, die wir Leben nennen. Womöglich ist es das Theater, das pausenlos in den meisten menschlichen Wesen abläuft: Der Versuch nach Drehbuch und Regieanweisungen zu spielen; die Unmöglichkeit es perfekt hinzukriegen, die daraus resultierende Notwendigkeit der Improvisation.
Güzel hinterfragt dabei die Lebensart ihres „lyrischen Ichs“ in kleinen Schritten, Akt für Akt. Die Bewegung dabei scheint im Krebsgang stattzufinden: ein Schritt vorwärts, zwei rückwärts …

„Die Urheberin der Nichtigkeit:
Durch die Gegend existieren.
Das Sein a cappella.
Das verschluckte Ich.

Güzels Texte sind zudem vor allem solche, die Fragen stellen. Es bedarf einer/s mit-denkenden Lesenden. Antworten gibt es nur im Selbstversuch. Oder zwischen den Zeilen. Was zu offensichtlich erscheint, hat garantiert einen doppelten Boden. Eine große Knappheit kennzeichnet die Verse, verdichtete und entschlackte Sprache. Alles unnötige, wuchernde gestrichen. Der Blick oft in Richtung Einbahnstraße des Lebens, gar in Richtung Sackgasse. Dagegen anschreiben vielleicht, dafür schreiben, dahin schreiben. Und das nicht unbedingt laut, aber wild und eigen.

„Nur flüstern. Nur hoffen, dass man
das Frühstück überlebt und sich
selbst.
Uncut, wenigstens heute.“

Damit auch Jugendliche die Möglichkeit des Schreibens finden, gibt Güzel auch Workshops für Schüler. Vielleicht nicht die schlechteste Idee den Schriftstellernachwuchs zu fördern. Es müssen nicht alle in Hildesheim oder Leipzig das Schreiben studieren. Das (Er-)Leben selbst ist oft die beste Schule.

„Am Nebentisch drei Frauen. Alle mit
Ohrringen. Vielleicht ist alles noch
in Ordnung, wenn man Ohrringe trägt.“

Bestellen kann (und sollte) man die Werke Lütfiye Güzels direkt unter https://luetfiye-guezel.tumblr.com/BOOKS

 

 

Lina Atfah: Das Buch von der fehlenden Ankunft Pendragon Verlag

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Die 1989 geborene Lina Atfah kommt aus Syrien. Sie studierte arabische Literatur, kam 2006 wegen ihres Schreibens mit dem Gesetz in Konflikt und durfte 2014 aus dem Land ausreisen. Seither lebt und schreibt sie in Deutschland. Lisa Atfah ist unter anderem auch Teil des tollen Projekts „Weiter schreiben“, welches ich hier schon mit dem Buch „Das Herz verlässt keinen Ort, an dem es hängt“ vorgestellt habe. Die Initiative der beiden Schriftstellerinnen Annika Reich und Lina Muzur hinterfragt, wie sich Schriftsteller und Dichter fühlen, wenn sie nicht nur aus der Heimat sondern auch aus der Muttersprache geworfen werden. So ist dieser Band auch zweisprachig, arabisch im zweiten Teil, und wurde von mehrerern Übersetzern übertragen.

“ – Was macht die Sprache?
Sie gibt dir einen Spiegel, damit du in großer Stille deine
Einsamkeit betrachten kannst
– Wo gehe ich mit meinen Gedichten hin?
Hebe ein kleines Grab in deinem aus Kissen und schlaf, damit
deine Träume wahr werden“

Herausgekommen ist ein intensiver, hoch komplexer Lyrikband. Lina Atfah umkreist sich selbst und schaut in den Spiegel. Sie seziert ihre Gedanken, ihr unablässiges Denken, über das was war und das was daraus entstanden ist. Atfah bedient sich einer märchenhaft fabulierenden Sprache, während sie gleichzeitig von Flucht, Gewalt und Tod spricht. Wie sonst könnte man darüber schreiben? In einem ihrer Verse schreibt sie jedoch auch, das es lange gedauert hat, bis diese Gedichte entstehen konnten.

„ich ordnete die Dinge meines Herzens
das Schreiben gehorchte mir nicht
meine Sprache umarmte meinen Wunsch nicht
meine fernen Erinnerungen beugten sich über meine
Gegenwart
sie taumelte und verneigte sich“

In diesen Gedichten finden wir vor allem Abschied und Verlust. Erinnerungen an eine bessere Zeit gehören dazu, die Kindheit, jedoch sehr begrenzt. Viel mehr Raum nimmt das Thema Vertreibung ein. Der IS bedroht die Bevölkerung, besetzt syrische Städte und Dörfer und richtet Massaker an. So schreibt Atfah auch ein Gedicht konkret über den Überfall auf ein Dorf, in dem Verwandte wohnen. Aus diesem Ort wird ein Schlachtfeld. Der Tod erhält eine Stimme, das Leid. „Willst du den Apfel des Neins? Oder ein Paradies im Nichts?“.  Die Sprache bricht.

„Die Kriege ändern sich nicht
die Angst räumt alle Dinge auf
die Zivilisation formuliert die Bilder neu
Hunger ist Totschlag, der die Hände nicht befleckt
wie üblich sind die Gedichte bestürzt, doch nicht auf der Höhe
ihrer Helden“

Atfah schreibt aber auch über alte arabische Mythen. Sie ist darin tief verwurzelt, findet aber einen eigenen zeitgemäßen Ausdruck dafür. Sie verleiht auch den Frauen eine Stimme, betrachtet deren Leid und Unfreiheit. Sie schenkt ihnen eine Rose. Ihre Sprache ist Schwert und Liebkosung zugleich und ich staune voller Anerkennung.

Was Lina Atfahs Sprache vermag, ist unglaublich. Es ist eine sehr besondere Art, ein sehr besonderer Blick, sehr persönlich, auf die entsetzlichen Geschehnisse in Syrien und gilt auch für all die anderen schrecklichen Kriegsschauplätze. Wer diese Verse liest, kommt vom Denken ins Fühlen …

Im Vorwort schreibt Nino Haratischwili, die durch ihren großen Georgien-Roman „Das achte Leben“ sehr bekannt wurde, wie sie durch Annika Reich in Kontakt mit Lina Atfah kam und von deren ausdrucksstarken Gedichten begeistert war. Auch sie kannte aus Gesprächen mit ihrer Großmutter die Zensur der Schreibenden. Gedichte jedoch, machten es oft möglich verschlüsselt doch zu schreiben, was eigentlich unmöglich war. Auch Lisa Atfahs Gedichte fielen unter die Zensur. Nun hat sie hoffentlich eine neue literarische Landschaft hier in Deutschland  gefunden.

Der Band „Das Buch von der fehlenden Ankunft“ erschien im Pendragon Verlag. An Übersetzung und Übertragung beteiligt waren folgende Autoren: Dorothea Grünzweig, Mahmoud Hassanein, Brigitte Oleschinski, Hellmuth Opitz, Christoph Peters, Annika Reich, Joachim Sartorius, Mustafa Slaiman, Suleman Taufiq, Julia Trompeter, Jan Wagner, Kerstin Wilch, Osman Yousufi. Eine Leseprobe gibt es hier
Ich danke dem Verlag für das Rezensionsexemplar.

Hinweis: Der Umstand, dass es sich um ein Rezensionsexemplar handelt, hat keinerlei Auswirkung auf meine Wahrnehmung und Rezension des Buches.

Gerhard Falkner: Schorfheide Gedichte en plein air Berlin Verlag

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„Die angewandte Methode war das Abklopfen von Landschaft nach poetischen Informationen, nach Metaphern oder sprachlichen Formen, das sprachliche Abtasten der Natur nach dem „Ergreifenden“, bis das „postmoderne Wissen“ in diese Suche mit sich hineingerissen wird.“

So schreibt Gerhard Falkner im Nachwort seines neuesten Lyrikbands „Schorfheide“. Falkner, Jahrgang 1951, ist mehr als bekannt als Dichter, zuletzt auch als Romanautor, da zwei seiner Romane für den Deutschen Buchpreis nominiert waren. „Schorfheide Gedichte en plain air“ hat mich vor allem angesprochen, weil es die Gegend ist, die jeder Berliner, so auch ich, als Grünzone, Erholungsgebiet, Nationalpark kennt, die Falkner hier bedichtet. Als Jagdgebiet in der Geschichte ebenfalls beliebt bei preussischen Königen und später bei  DDR-Spitzenfunktionären.

„Die Metonymien zu Melzow tauchen aus dem Wasser
und schöpfen ihren übertragenen Sinn
aus der Instabilität der Natur und ihren Emergenzen
Nur so gelingt die naturräumliche Bebilderung
mit Worten“

Ich bin nicht so ganz sicher, was ich von den Gedichten halten soll. Das macht aber nichts. Lyrikbänden gewähre ich viel mehr Zeit und Raum als Romanen. Sie „dauern länger“. Ich mag Naturgedichte mitunter sehr gern. Gerne Giersch und sonstiges Kraut. Vielerorts werden sie ja heutzutage verpönt, von wegen, das Gedicht muss politischer und zeitkritischer werden. Ich aber finde Naturgedichte und auch Liebesgedichte, überhaupt alle Arten, dürfen gleichfalls sein, müssen sein, immer und zu jeder Zeit.

Im allen Kapiteln, außer im Kapitel „Manilas Gedichte“ (die angeblich aus einem Papierkorb, nahe eines bekannten Ökodorfs in Brandenburg gefischt wurden), heißen alle Gedichte „Schorfheide“. Es gibt sehr formelle Gedichte mit viel Reim, die mir zu pathetisch wirken, oft mit mythischen Bezügen, die mir vermutlich gar nicht alle aufgefallen sind.

„Mit somnambulen Schritten
schreiten wir durch diesen sapphisch-
baudelaire`schen Raum und erinnern uns
kaum an die elysischen Felder
durch die wir geritten
in unserem Traum“

Daneben stehen aber eben auch die freien Verse mit schönsten Wortkreationen, unruhige, teils wilde Verse mit spannenden Zeilensprüngen, so wie ich sie sehr mag.

„Die erste Zeile ist der Wald
der Himmel seine Überschrift
Die Bäume stehen gedrängt wie Lettern
mit Majuskeln aus bronzenen Blättern
und Vogelstimmen
hoch in den Weltwirtschaftsgipfeln
Nirgends ist Ruh
Die Zeichen und Stimmen
von Twilight und Twitter
tönen hinzu“

Ich merke beim Lesen, dass mir immer nur Teile eines Gedichts gefallen. Das kommt selten vor. Als wären zu große inhaltliche und vor allem sprachliche Differenzen. Zu deutliche Brüche.

„… an das Ende der Geschichte bei gechilltem Champagner
oder von Tischbein das Bildnis des großen Campagner`
was kümmert uns dann das alte Chorin
oder die Kühe von Brodowin“

Und ich wage es zu sagen: Einiges kommt mir kitschig vor. Aber kann das sein? Macht einer, der so viel und so lange schon schreibt, solche Schnitzer? (wie etwa Seite 103, siehe oben oder Seite 105, siehe unten)

Ich muss mein Leben
endlich wieder loben, meine Augen
da oben, haben sich erhoben
meine Ohren, hüben und drüben
höre ich, Horchen üben …“

en plein air – ein Begriff aus der Malerei , die Freilichtmalerei, wird in die Dichtung draußen in der Natur übertragen. Ob Falkner auf der Wiese oder unter Bäumen saß und mit dem Griffel die Farben erschrieb oder doch eher ins mobilphone tippte?

„Brauner Abend, heraufdämmernde Nacht
tief abgedunkeltes Orange am Waldsaum
in schneller Malweise vor die Flur gesetzt
wie bei Van Gogh“

Es sind jedenfalls sehr sinnliche Verse, aus denen deutliche, teils schiefe, brüchige Bilder entstehen, so als wäre man selbst unterwegs, außerhalb der großen Stadt, in einer natürlichen Landschaft, umgeben von Farben und Formen, Tieren und Pflanzen, Geräuschen und Gedanken, aber nie ganz ungestört, da sich dann mitunter die Mütter vom Prenzlauer Berg, FRIGO-Brausepulver oder gar Koks und so mancher Philosoph dazwischen schalten.

Der Gedichtband erschien im Berlin Verlag. Eine Leseprobe gibt es hier .
Ich danke dem Verlag für das Rezensionsexemplar.

Hinweis: Der Umstand, dass es sich um ein Rezensionsexemplar handelt, hat keinerlei Auswirkung auf meine Wahrnehmung und Rezension des Buches.

 

Grace Paley: Manchmal kommen und manchmal gehen Schöffling Verlag

Schon das erste Gedicht der amerikanischen Dichterin haut mich um:

„Eine Frau erfand das Feuer und nannte es
das Rad
War das so weil die Sonne rund ist
Ich sah die runde Sonne den Himmel färben
Und das Feuer rollt übers Feld
von Wald zu Wipfel
Es springt wie ein Fahrrad mit einem wilden Jungen darauf … „

Grace Paley, 1922 in New York geboren und 2007 verstorben, stammt von russisch-jüdischen Einwanderern ab. Ein Hintergrund, der auch ihr Werk mitbestimmt. Paley schrieb Gedichte und Stories. Von Philip Roth und dem New Yorker hoch gelobt wurde sie mit ihrem Werk schließlich bekannter. Außerdem engagierte sie sich politisch in der Friedensbewegung und für Rassen-, Geschlechter- und Klassenfragen. Ein schönes Panorama über Paley und ihr Gesamtwerk bei Schöffling gibt es hier.

Paleys Gedichte sind Perlen. Und es gibt ganze Perlenketten in diesem Buch. Gleich das zweite Gedicht möchte ich hier im Ganzen zitieren, weil es eine Zeitreise ist, eine Reise in eine bereits vergangene Zukunft, eine bildhafte Mahnung:

„Das Lied von den bekümmerten Kindern

Dieses Haus ist ein Wrack sagten die Kinder
als sie nach Haus kamen mit ihren Kindern
Überall gibt es nichts als Papiere
Auf den Stühlen liegen Bücher herum
und guck Laub bedeckt den Boden
unter den umherziehenden Juden

Dein Gesicht ist ein Wrack sagten die Kinder
als sie nach Haus kamen mit ihren Kindern
Du hast das ganze Gesicht voller Falten
einen Hals wie neugierige Schildkröten
Wieso hast du dich so gehen lassen?
Wohin gehst du denn ohne uns?

Diese Welt ist ein Wrack sagten die Kinder
als sie nach Haus kamen mit ihren Kindern
Überall gibt es nichts als Bomben
Es gibt kein Wasser jedes Feld ist vergiftet
Wieso hast du uns alles so hinterlassen
Wohin sollen wir sagten die Kinder
was sagen wir unseren Kindern?“

Diese Lyrik lebt vom Rhythmus. Jedes Gedicht schwingt wie ein Lied, kein Abgesang, ein Neuanfang, immer wieder, kraftvoll, manchmal lauter, manchmal wispernd. Die Dichterin hinterlässt eine feine Idee von Energie, von Achtsamkeit. Ich habe ein klares Bild beim Lesen dieser wunderbaren Gedichte: Paley wacht auf, schreibt ein Gedicht, Paley geht durch ihren Alltag und schreibt ein Gedicht, Paley liebt und streitet und lacht und weint und schreibt ein Gedicht. Diese Verse stehen in ihrer Einfachheit überdeutlich und rufen danach gelesen zu werden. Gleichzeitig verbirgt manches Gedicht etwas. Man spürt es und wenn man es schafft, zu erfühlen, was es ist, ist es womöglich der Geheimniszustand, von dem die große Lyrikerin Inger Christensen und bereits lang zuvor Novalis schrieb.

Paley thematisiert so manches Mal ihre jüdische Herkunft und die damit verbundene Geschichte der Emigration ihrer Familie, sie scheut nicht vor Gesellschaftskritik, vor den Themen Alter

„Glauben Sie alte Leute sollten weggeschlossen werden
das eine rote feuchte Auge die Pupille die zurück- und zurückweicht
die Hände sind schuppig
glauben Sie all das sollte man verstecken“

oder Tod und Sterben zurück.

„Ich habe mit meiner schwester gesprochen sie
weiß wohl nicht dass sie seit jetzt zwei jahren
staub und asche ist ich spreche mit ihr
fast jeden tag“

Sie wirft Blicke auf Kriege, große wie alltägliche und weiß doch die große Tragik sprachlich in eine mögliche Zukunft zu verwandeln. Einige wunderschöne Gedichte widmet sie dem betagten Vater, ihre Liebe spürt man durch jede Zeile.

„Mein Vater mit 89

Sein verflachendes Denken
bekümmerte alle aber er
fragte uns Kinder
wisst ihr noch mein Hund Mars
der auf der Straße auf mich wartete
als ich daherkam einsam
und sang auf dem Heimweg
vom Gefängnis des Zaren“

Dieser Gedichtband von Grace Paley ist eine Offenbarung. Selten haben mich Gedichte, jedes einzelne, so tief getroffen, auf einer Ebene, die weitaus tiefer als Sprache liegt, die in jede Körperzelle reicht und fast auf direktem Weg ins Herz. Ich bin sehr dankbar über diese Wiederentdeckung. Strahlendes lyrisches Leuchten!

Der Lyrikband erschien im Schöffling Verlag. Er wurde übersetzt von Mirco Bonné. Von ihm gibt es auch aufschlussreiche Anmerkungen im Anhang. Erwähnenswert, weil stimmig passend sind auch die Coverbilder des Malers Christian Brandl.
Ich danke dem Verlag für das elektronische Rezensionsexemplar.